Max Ernst, « L'ange du foyer (Le triomphe du surréalisme) », 1937 © Adagp, Paris. Vincent Everarts Photographie


Conçue à la façon d’un labyrinthe, l’exposition « Surréalisme » est une plongée inédite dans l’exceptionnelle effervescence créative du mouvement surréaliste, né en 1924 avec la publication du _Manifeste_ fondateur d'André Breton.

Associant peintures, dessins, films, photographies et documents littéraires, l’exposition présente les œuvres des artistes emblématiques du mouvement (Salvador Dalí, René Magritte, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró) mais aussi celles des surréalistes femmes (parmi lesquelles Leonora Carrington, Ithell Colquhoun, Dora Maar).

À la fois chronologique et thématique, le parcours est rythmé par 14 chapitres évoquant les figures littéraires ayant inspiré le mouvement (Lautréamont, Lewis Carroll, Sade...) et les principes poétiques qui structurent son imaginaire (l'artiste-médium, le rêve, la pierre philosophale, la forêt...).

Au cœur de l’exposition, un « tambour » central abritant le manuscrit original du _Manifeste_, prêt exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France. Une projection multimédia accompagne la découverte de ce document unique, éclairant sa genèse et son sens.

[Le Surréalisme au Centre Georges Pompidou](https://www.centrepompidou.fr/fr/recherche?terms=surr%C3%A9alisme)

[Le site André Breton](https://www.andrebreton.fr/)


Surréalisme, Centre Pompidou 2024

oeuvre de Wols exposée à la galerie Karsten Greve à Paris en 2023

La Galerie Karsten Greve a le plaisir de présenter pour la première fois dans son espace parisien une rétrospective consacrée à Wols (1913, Berlin – 1951, Paris), 25 ans après une première exposition dans la galerie de Cologne. Célébrant les cent-dix ans de la naissance de l’artiste, cette exposition illustre l’importance de l’art singulier de Wols à travers le plus grand ensemble d’œuvres sur toile et sur papier, de photographies, d’ouvrages imprimés et de lettres jamais réuni en France, provenant de la collection de Karsten Greve, mais également d’importantes collections privées.

« _WOLS, petit homme de la Lune débarqué parmi nous, conduit son monologue têtu avec l’obstination d’un loyal consciencieux. Ses hiéroglyphes mystérieux qui, par leur finesse le disputent à l’araignée nous enseignent la poésie de l’astral interplanétaire et reconstituent sous les réfractions subtiles de leur lumière irisée, la faune, la flore et jusqu’aux humanités du rêve des microcosmes invisibles_, » écrivait Jean Sylveire en 1943. L’œuvre visionnaire de Wols (de son nom de naissance Alfred Otto Wolfgang Schulze) est à l’image de son temps et de sa vie : marquée par la guerre, l’exil, symbolique de la douleur ineffable face à l’amertume de l'après-guerre.

[Vidéo de présentation de l'exposition](https://www.youtube.com/watch?v=IbGtr6wKJ8w)

[Writer and art critic Shigeo Chiba on WOLS (Paris 2023)](https://www.youtube.com/watch?v=DIGKyJX14go) Shigeo Chiba est l'auteur du catalogue raisonné de l'œuvre de Wols.

[Art historian and curator Sarah Wilson on WOLS (Paris 2023)](https://www.youtube.com/watch?v=yWWbnfNTAQU)

[Art dealer and collector Karsten Greve on WOLS (Paris 2023)](https://www.youtube.com/watch?v=cwT-9Eir3sg)

Wols, Galerie Karsten Greve, Paris, 2023

la mante religieuse, de Germaine Richier, au Centre Pompidou


Hommage à Germaine Richier, première sculptrice exposée au Musée national d’art moderne en 1956, cette rétrospective rassemble près de 200 œuvres - sculptures, gravures, dessins.

Nourrie de recherches inédites, elle démontre combien Germaine Richier occupe une position centrale dans l’histoire de la sculpture moderne, comme un chaînon entre Rodin et le premier César. Formée à la tradition d’Auguste Rodin et d’Antoine Bourdelle, Germaine Richier s’affirme comme profondément originale et radicale en à peine plus de 25 ans, des années 1930 à sa disparition précoce en 1959. Le parcours de l’exposition retrace chronologiquement sa trajectoire artistique, éclairant les grands thèmes qui nourrissent sa pratique sculpturale (l’humain, l’animal, les mythes…). Il révèle comment Richier opère une revitalisation de la figure, forgeant après-guerre de nouvelles images de l’homme et de la femme.


Germaine Richier, Centre Pompidou 2023


Dans la période qui suit son installation à Paris en 1948, Zao Wou-Ki explore le thème de la lumière diurne ou nocturne dans une série d’œuvres poétiques intégrant simplement la représentation des astres lunaire et solaire.Le passage à l’abstraction opéré au milieu des années 1950 par l’usage du signe emprunté à Paul Klee, enrichit son rapport à la lumière et à l’obscurité, exprimées alors par le jeu des masses colorées, qui s’affrontent ou fusionnent.
La pratique de l’encre de Chine, grâce à Henri Michaux à partir de 1970, lui permet de faire évoluer la tradition chinoise. Il entame alors un travail sur le vide, associé au blanc ou à la réserve, et le plein, associé au noir de l’encre. Cette recherche se prolonge dans sa peinture et lui fait découvrir de nouveaux espaces.
Les œuvres des années 1970 et 1980 renvoient à une face plus sombre correspondant à des périodes de souffrances et de deuil. Ces va-et-vient entre lumière et part d’ombre puisent leur inspiration dans la longue histoire de la peinture chinoise qui recherche l’équilibre des contraires.

Guidé à ses débuts et jusqu’à la fin de sa vie par le génie de Paul Cézanne (Paysage Hangzhou, 1946&nbsp;; Hommage à Cézanne, 2005), Zao Wou-Ki a lui aussi été sensible à la lumière spécifique du soleil du midi de la France. Après avoir loué entre 1958 et 1972 un atelier dans le Var où il retrouvait nombre d’amis, il accepte la proposition de Josep Lluis Sert qui lui construit un atelier à Ibiza en 1973, un nouveau lieu de création.
A partir de 2004, Zao Wou-Ki séjourne à plusieurs reprises en été dans la propriété du Luberon du couturier Emanuel Ungaro, très attaché par ailleurs à sa ville natale d’Aix-en-Provence. Zao Wou-Ki y travaille «&nbsp;sur le motif&nbsp;», fait nouveau pour lui, et peint une série d’aquarelles qui seront présentées pour la première fois à l’Hôtel de Caumont. Elles rendent compte de la luminosité et des couleurs tantôt flamboyantes tantôt assourdies des paysages du Luberon. Ces œuvres expriment à l’ultime moment de sa vie son bonheur de peindre immuable.

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[Zao Wou-Ki à l’Hôtel de Caumont d’Aix-en-Provence - Connaissance des Arts](https://www.connaissancedesarts.com/artistes/zao-wou-ki/idee-de-sortie-zao-wou-ki-a-lhotel-de-caumont-daix-en-provence-podcast-11160492/)


Zao Wou-Ki, Il ne fait jamais nuit

affiche de l'exposition Chicago Calling à Lausanne


La Collection de l’Art Brut à Lausanne accueille l’exposition Chicago Calling, après sa présentation en 2019 à lntuit, The center for Intuitive and Outsider Art, à Chicago, à la Halle Saint-Pierre, à Paris, et au Kunsthaus de Kaufbeuren, en Allemagne.

De toutes les grandes villes d’Amérique, Chicago est celle qui a le plus fait preuve d’indépendance artistique. Dès les années 1940, alors que la scène new-yorkaise se tourne vers expressionnisme abstrait, les milieux artistiques de Chicago s’orientent non seulement vers l'expressionnisme allemand et le surréalisme, mais aussi vers l’art primitif et l’Art Brut. Leur intérêt pour ce dernier se nourrit notamment de la lecture des écrits du psychiatre allemand Hans Prinzhorn et de l’artiste français Jean Dubuffet, à l’origine du concept d’Art Brut.

En 1951, à l’occasion de la première rétrospective de son œuvre à Chicago, Dubuffet prononce sa célèbre conférence Anticultural Positions à l’Arts Club, suscitant beaucoup d’enthousiasme auprès d’artistes, de collectionneurs et d’amateurs avertis. Durant cette même année, il confie à son ami le peintre Alfonso Ossorio, qui réside à East Hampton, près de New York, sa collection d’œuvres d’Art Brut. Entreposée et présentée dans sa vaste demeure durant 10 ans, elle sera vue par des personnes influentes du milieu de l’art à New York, dont les peintres Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell et Clyfford Still.

Dans les années 1960, un groupe d’artistes connu sous le nom d’« Imagistes de Chicago», parmi lesquels Roger Brown, Jim Nutt et Gladys Nilsson, commence à collectionner des œuvres situées en dehors du champ officiel de l’art. L’Art Brut et l’Outsider Art vont dès lors s’imposer rapidement aux collectionneurs, marchands et conservateurs de Chicago, favorisant la fondation, en 1991, de lntuit, un centre consacré à l’Outsider Art et à l’Art Brut aux États-Unis.

En Europe, la Collection de l’Art Brut, inaugurée en 1976, et héritière de la collection historique de Dubuffet, est la première institution muséale publique à présenter des œuvres d’Art Brut. Et, à partir de 1987, elle expose régulièrement un important corpus d’œuvres de Henry Darger, auteur originaire de Chicago, dont elle possède des pièces grâce à une donation exceptionnelle de la veuve de Nathan Lerner. Ce photographe qui était le logeur de Darger a, avec l’aide de son épouse Kiyoko Lerner, permis la sauvegarde de cette production magistrale.

Chicago Calling nous offre donc l'opportunité de découvrir ou redécouvrir cet auteur qui figure parmi les plus célèbres représentants de l’Art Brut aux États-Unis, aux côtés de cinq autres créateurs autodidactes également natifs de Chicago : Lee Godie, Mr. Imagination, Pauline Simon, Wesley Willis et Joseph E. Yoakum. Leurs œuvres proviennent d’Intuit et de collections privées et publiques américaines mais aussi, pour ce qui concerne Darger, du fonds de la Collection de l’Art Brut.

La présentation à la Collection de l'Art Brut regroupe des œuvres sélectionnées par Sarah Lombardi, issues de l'exposition conçue par les commissaires Kenneth C. Burkhart et Lisa Stone, et organisée par Intuit, The Center for Intuitive and Outsider Art.

Chicago Calling est organisée par Intuit, The Center for Intuitive and Outsider Art et soutenu par The Terra Foundation for American Art.
La Collection de l'Art Brut remercie la Bibliothèque de l’Institut des humanités en médecine pour le prêt d'un ouvrage original à des fins d'exposition.

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[Visite virtuelle de l'exposition](https://www.swissartbooks.org/museums/cab/chicagocalling.html)

[La collection de l'Art Brut](https://lausanne-musees.ch/fr_CH/musees/collection-de-l-art-brut)

[Six artistes américains à découvrir dans "Chicago Calling" à l'Art Brut](https://www.rts.ch/info/culture/arts-visuels/11320985-six-artistes-americains-a-decouvrir-dans-chicago-calling-a-l-art-brut.html)


Chicago Calling

oeuvre de Wols exposée au Centre Pompidou


Du 04 mars au 18 mai, la galerie d'arts graphiques du Centre Pompidou accueille une exposition consacrée à l'artiste Wols.

De Wols, mort en 1951, on ne retient souvent que le destin tragique si intimement lié à l’histoire : le choix de l’exil alors que l’Allemagne est rongée par le nazisme&nbsp;; la précarité de l’émigré sans-papiers&nbsp;; l’internement dans les camps de la zone sud après le déclenchement du conflit&nbsp;; les errances, après-guerre, dans le Saint-Germain-des-Prés où il achève son lent suicide par l’alcool.

L’exposition se propose de relire son dessin, à la lumière de ses autres pratiques, écriture, photographie et peinture. Conçue comme un parcours initiatique, elle se décline en cinq sections – piéger, transmuer, concentrer, décomposer, éclabousser – décrivant la manière dont Wols transpose le monde qu’il perçoit dans ses images.

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[Wols, Exposition Centre Pompidou - vidéo](https://www.youtube.com/watch?time_continue=12&v=iasrV1P3vfQ&feature=emb_logo)

[Wols, Histoires naturelles, Centre Pompidou - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=xKgE0qkKftg)

[Wols - Catalogue de l'exposition au Centre Pompidou](https://boutique.centrepompidou.fr/fr/monographie-et-mouvements-artistiques/wols-catalogue-de-lexposition/2084.html)

[Wols au Centre Pompidou](https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/cbqLrd6/rbqakbM)


Wols, Histoires naturelles,  Centre Pompidou 2020


Aucune exposition n’a encore rendu hommage à Félix Fénéon (1861-1944), acteur
majeur de la scène artistique de la fin du XIXe siècle et du tournant du XXe
siècle. Le musée de l’Orangerie en association avec le musée du Quai
Branly-Jacques Chirac et The Museum of Modern Art, New York (MoMA) propose de
célébrer sa personnalité hors du commun, encore injustement méconnue.
L’exposition montrera les différentes facettes de ce personnage singulier, au
physique de quaker et à l’humour pince-sans-rire, qui sut concilier carrière de
fonctionnaire modèle, engagement artistique et convictions anarchistes.
Chroniqueur, rédacteur à la Revue Blanche, critique d’art, éditeur - il publia
Les Illuminations de Rimbaud -, galeriste, Fénéon fut également un
collectionneur exceptionnel qui réunit un nombre important de chefs d’œuvre
comprenant un ensemble unique de sculptures africaines et océaniennes. Soutien
inconditionnel du néo-impressionnisme, découvreur de Seurat, directeur
artistique de la galerie Bernheim-Jeune, défendant le fauvisme, le futurisme,
Matisse, le rôle de Fénéon sur la scène artistique du début du XXe siècle fut
déterminant.

L’exposition réunira un ensemble exceptionnel de peintures et dessins de Seurat, Signac, Degas, Bonnard, Modigliani, Matisse, Derain, Severini, Balla, etc., des pièces africaines et océaniennes ainsi que des documents et archives.

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Catalogue de l'exposition

Félix Fénéon  
Critique, collectionneur, anarchiste  
Coédition Musées d’Orsay et de l’Orangerie / RMN-GP / Musée du quai Branly –
Jacques-Chirac  
320 pages – 18 x 25,4 cm – Environ 200 illustrations  
Version : français  
Code ISBN : 978-2-7118-7444-6  
Prix : 39,90 €

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[Félix Fénéon. Les temps nouveaux, de Seurat à Matisse - Musée de l'Orangerie, 2020 - Isabelle Cahn - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=hNaWhVnnp4M)


Félix Fénéon. Les temps nouveaux, de Seurat à Matisse

Affiche de l'exposition Félix Fénéon, Les arts lointains, au Musée du quai Branly à Paris


Anarchiste, critique d’art, éditeur, directeur de galerie, collectionneur passionné... Portrait en deux chapitres de Félix Fénéon, personnalité hors du commun et découvreur de talents, aux musées d'Orsay et de l’Orangerie et au musée du quai Branly - Jacques Chirac.

Les musées d’Orsay et de l’Orangerie, le musée du quai Branly - Jacques Chirac et The Museum of Modern Art, New York, rendent pour la première fois hommage à Félix Fénéon (1861-1944), acteur majeur du monde artistique de la fin du XIXe siècle et du tournant du XXe siècle. Anarchiste, directeur de revues, marchand d’art, prodigieux collectionneur, Fénéon a défendu une vision décloisonnée de la création au moment du basculement de l’art vers la modernité et œuvré pour la reconnaissance des arts extra-occidentaux.

Auteur en 1920 du vibrant plaidoyer « Seront-ils admis au Louvre&nbsp;? », il interroge, dans un article qui deviendra l’un des textes fondateurs du musée du quai Branly – Jacques Chirac, le statut des « arts lointains », soixante-dix ans avant le manifeste de Jacques Kerchache. Un engagement qui va de pair avec le développement d’une extraordinaire collection personnelle où figure, auprès de toiles de ses amis Seurat, Vuillard, Toulouse-Lautrec, Braque, Matisse ou Modigliani, l’un des plus importants ensembles d’arts d’Afrique et d’Océanie de l’époque – comptant en son sein la statue Fang Mabea. Voici une collection de référence, dont le rayonnement mondial et l’influence sur l’avant-garde artistique des années 30 ne sont plus à démontrer.

Le deuxième volet de l'exposition s’intitulera « Félix Fénéon (1861-1944). Les temps nouveaux, de Seurat à Matisse » et sera présenté au musée de l’Orangerie du 16 octobre 2019 au 27 janvier 2020. Il montrera les différentes facettes de ce personnage singulier, au physique de quaker et à l’humour pince-sans-rire, qui sut concilier carrière de fonctionnaire modèle, engagement artistique et convictions anarchistes.

Exposition organisée par le musée du quai Branly - Jacques Chirac, Paris, les
musées d’Orsay et de l’Orangerie, Paris et The Museum of Modern Art, New York.

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Catalogue de l'exposition

Critique d'art, collectionneur, anarchiste, mais aussi éditeur et directeur de galerie, Félix Fénéon (1861-1944) n'aura de cesse de défendre une vision décloisonnée de la création au moment du basculement de l'art vers la modernité. Soutien inconditionnel du néo-impressionnisme, découvreur de Seurat, directeur artistique de la galerie Bernheim-Jeune, défendant le fauvisme, le futurisme et Matisse, il fut aussi un des premiers collectionneurs d'art africain et océanien. Son enquête Seront-ils admis au Louvre&nbsp;? qui interroge le statut des sculptures et objets d'art premiers est un véritable plaidoyer pour les "arts lointains". Aucune exposition n'avait encore rendu hommage à Félix Fénéon qui cultivait le goût de la discrétion. Cet ouvrage, à travers des extraits de ses écrits et une sélection d'œuvres majeures qu'il a collectionnées et défendues, témoigne de son engagement et montre la pertinence de l'œil et des choix de ce personnage singulier.

Descriptif  
Catalogue d'exposition Collectif - 2019 18 × 25,4 cm - 320 p. - Français - 39,90 €

Coédition musées d’Orsay et de l’Orangerie, musée du quai Branly – Jacques Chirac, éditions RMN-GP

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[Présentation de l'exposition - vidéo](https://www.youtube.com/watch?time_continue=4&v=piGjeZq9hDY)

[Félix Fénéon. Les arts lointains - Musée du Quai Branly, 2020 - Philippe Pelletier - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=oQm2SWqFYqg)


Félix Fénéon. Les arts lointains

Affiche de l'exposition Jean Fautrier, Matière et lumière, au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris en 2018


Peu exposé, cet artiste au parcours solitaire est aujourd’hui considéré comme le plus important précurseur de l’art informel en 1928, inventeur des hautes pâtes en 1940 et une figure majeure du renouvellement de l’art moderne après le cubisme.
L’exposition sera la reprise de la rétrospective Jean Fautrier qui a eu lieu cet été au Kunstmuseum de Winterthur (Suisse) complétée des oeuvres du Musée d’Art moderne, de plusieurs musées français et de collections privées.

Jean Fautrier est tout particulièrement lié à l’histoire des collections et de la programmation du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris. En effet, en 1964, le musée présente sa première rétrospective, réalisée en étroite collaboration avec l’artiste suite à son importante donation. En 1989, une seconde rétrospective apporta un nouveau regard sur l’ensemble d’une oeuvre riche, variée et particulièrement singulière.

Cette nouvelle exposition vient près de trente ans après la précédente. Elle est composée d’environ 200 oeuvres - dont près de 160 tableaux, dessins et gravures, ainsi qu’un important ensemble de sculptures - issues de nombreuses collections publiques et privées, françaises et étrangères. L’exposition comprendra la quasi-totalité de la donation faite par l’artiste au musée, complétée au fil du temps par d’importants dons et achats. Le Musée d’Art moderne dispose aujourd’hui du plus important fonds Fautrier dans les collections muséales (plus de 60 oeuvres).

La carrière de peintre de Jean Fautrier débute dès 1920. Sa peinture, alors figurative, est constituée de natures mortes, paysages et nus qui vont d’un réalisme cru à une représentation faite d’une lumière sombre aux formes presque abstraites. Après une brève reconnaissance, la crise économique de 1929 a finalement raison de sa carrière d’artiste. Contraint à quitter Paris, il s’installe au début des années 1930 dans les Alpes où il vivra plusieurs années, travaillant comme moniteur de ski et gérant d’un hôtel avec dancing.

De retour à Paris en 1940, il retrouve ou rencontre des écrivains tels qu’André Malraux, Francis Ponge, Paul Éluard, Georges Bataille et surtout Jean Paulhan qui sera son plus fervent défenseur. Pendant les années de guerre, il développe une nouvelle forme de l’image dans laquelle la matière prend de plus en plus d’importance dans la représentation des objets, des paysages ou des corps.

Dans ses célèbres séries - Otages (1943-1945), Objets (1955), Nus (1956), Partisans (1957) - les effets de matière deviennent le sujet principal de l’oeuvre. Jean Fautrier utilise une peinture à la colle qui mêle les masses de pigments aux encres transparentes ou opaques, d’où émergent des harmonies recherchées et lumineuses, créant ainsi des empâtements et des textures variés provoquant une certaine angoisse.
En 1960, il est célébré à la Biennale de Venise avec le Grand prix de peinture qu’il partage avec Hans Hartung. Fautrier meurt durant l’été 1964, peu après sa première rétrospective au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris.

Cette exposition est co-organisée avec le Kunstmuseum Winterthur

Commissaire invité : Dieter Schwarz

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[Catalogue de l'exposition](https://www.mam.paris.fr/fr/edition/jean-fautrier)


Jean Fautrier, Matière et lumière


Explorant une relation à la fois personnelle et artistique, l’exposition s’intéressa à l’écrivain et peintre Henri Michaux (1899-1984) et au peintre Zao Wou-Ki (1920-2013). Arrivé de Chine en France au début du printemps 1948, Zao Wou-Ki rencontra Henri Michaux dès la fin de l’année suivante. Cette relation humaine, qui devait durer jusqu’à la mort du poète, faite d’attention chaleureuse de part et d’autre, fut aussi et surtout une relation artistique. Non seulement Michaux apportait sa « caution » au jeune peintre, mais son œuvre peint et dessiné et celui de Zao Wou-Ki partagent un certain nombre de choix qui mettent en jeu des procédures opératoires : attention aux signes, appétit d’expérimentation, importance du geste, primat du mouvement.

Les pièces exposées vinrent principalement du fonds d’éditions rares d’Henri Michaux que possède la Fondation Martin Bodmer, de la collection de Micheline Phankim, ayant-droit de Michaux, de celle de Françoise Marquet, ayant-droit de Zao Wou-Ki, et de celle de Sven Pitseys, bibliophile belge bien connu des amateurs de Michaux. Des prêts ponctuels furent enfin consentis, en Suisse par le Cabinet des estampes du musée d’Art et d’Histoire de la Ville de Genève et par les musées de Winterthur et Locarno, en France par le musée national d’Art moderne (Centre Georges Pompidou) et par le musée d’Art moderne de la Ville de Paris. Beaucoup de pièces retenues pour l’exposition furent montrées pour la première fois, et leur rassemblement constitue à lui seul un événement.

Commissariat : Bernard Vouilloux et Jacques Berchtold

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[Présentation de l'exposition](https://www.youtube.com/watch?v=tHtVec95Jv0&feature=youtu.be)


Henri Michaux et Zao Wou-Ki dans l’empire des signes

Paulhan et Braque, dans l'atelier de Georges Braque en 1943, observant un tableau.


Cette exposition-dossier temporaire est présentée dans une des salles du Musée, au 5e étage, dans le cadre de la nouvelle présentation des collections modernes.

C’est durant l’Occupation, en 1942, que s’intensifient les échanges entre Jean Paulhan, écrivain et éditeur, animateur de La Nouvelle Revue Française, et le peintre Georges Braque. Paulhan cherche alors dans l’art un refuge face aux déchirements que connaît la littérature. Peu après, il rencontre Jean Fautrier et Jean Dubuffet. Il pressent dans leurs toiles la révélation d’un «&nbsp;secret&nbsp;», qu’il entreprend de définir dans ses écrits sur la peinture. Il y confie aussi les deux expériences fondatrices de son «&nbsp;initiation&nbsp;» à l’art moderne. La première est celle de la «&nbsp;chambre obscure&nbsp;», expérience du jaillissement du réel dans la pénombre, que Paulhan met en parallèle avec la révélation de la «&nbsp;vérité&nbsp;» des objets dans les oeuvres cubistes. La seconde est celle de la «&nbsp;tache aveugle&nbsp;», zone de défaillance de la vision, constitutive du regard, qu’il rapproche de l’art informel&nbsp;: le manque y est entendu comme le coeur même de la peinture. Parmi les ouvrages que Paulhan consacra à l’art, citons en particulier _Braque le patron_ et _Fautrier l’enragé_, exposés ici.

Anne Lemonnier

Commissaire : Mnam/Cci / Anne Lemonnier


Jean Paulhan, Dans le secret de la peinture moderne


Le Grand Palais présente en 2013 la première rétrospective consacrée à Georges Braque (1882-1963)
depuis près de quarante ans. Initiateur du cubisme et inventeur des papiers collés, il fut
l’une des figures d’avant-garde du début du XXe siècle, avant de recentrer son œuvre sur
l’exploration méthodique de la nature morte et du paysage. L’exposition propose un nouveau
regard porté sur l’œuvre de l’artiste et une mise en perspective de son travail avec la
peinture, la littérature ou la musique de son temps.

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[Vidéos autour de l'exposition](https://www.dailymotion.com/playlist/x2sx5q#video=x14bev2)

[Présentation de l'exposition Georges Braque - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=HaLi6HRCKoI)

[Braque par Brigitte Léal, commissaire de l'exposition Braque au Grand Palais -vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=RO07nFDp45s)

[Dans les coulisses de l'expo Braque au Grand Palais - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=YMiA2UtxP2I)

[Actu de l'expo](https://www.grandpalais.fr/fr/article/georges-braque-toute-lactu-de-lexpo) : articles, vidéos.


Georges Braque

Couverture du catalogue de l'exposition Wols à la Menil Collection de Houston, en 2013


This is the first museum retrospective exhibition of the artist Wols (1913–1951) in the United States. Comprising approximately 100 works, international loans of approximately 20 oil paintings and 50 drawings, watercolors, photographs, and etchings supplement the Menil Collection’s strong holdings of the artist’s work.

A draftsman, painter, and photographer, Wols was one of the most ingenious and influential—if commercially unsuccessful—artists to emerge in postwar Europe. Along with Jean Dubuffet, Pierre Soulages, and Georges Mathieu, Wols was a leading figure in Tachisme, a movement in painting Americans consider to be a European parallel to Abstract Expressionism. Named for the French word tache, meaning stain, Tachisme—an outgrowth of the larger trend of Art lnformel, or “art without form” movement—cultivated an automist style emphasizing free lines and forms drawn from the artist’s psyche.

Wols did not start his intimately scaled drawings and watercolor paintings with preconceived compositions. Instead, his unconscious, in the Surrealist and existentialist senses of the word, shaped his images, which began with a few marks, then were carefully developed into highly complex self-contained visual universes. Early drawings and watercolors include fantastical animals, figures, sailing ships, and cityscapes. Later oil paintings are almost entirely abstract, using heavy impasto and tentacle like drips to suggest powerful emanations that suggest otherworldly flowers or atomic explosions.

Born Alfred Otto Wolfgang Schulze in Berlin, Wols moved to Paris in 1932 to escape his austere bourgeois roots and the authority of a father who was chancellor of the German state of Saxony. There he changed his name to Wols—inspired by a mistake on a telegram—and eked out a living during the difficult wartime years by teaching German and making drawings, paintings, photographs, and etchings. A number of his prints were used as illustrations for texts by Antonin Artaud, Franz Kafka, and Jean-Paul Sartre, and exhibitions of his work in Paris in 1945 and 1947 at Galerie Drouin and other galleries in France, Italy, and the United States allowed him a precarious existence, made difficult by constant illness and alcoholism.

Notoriously reticent about his work, Wols once explained his vision of the world by referring to a crack in the sidewalk: “Look at that crack. It is like one of my drawings. It’s a living thing. It will grow… It was created by the only force that is real.” The growing esteem that Wols enjoyed in Europe had no counterpart on this side of the Atlantic during or after his lifetime.

Organized by the Menil Collection and Curator of Modern and Contemporary Art Toby Kamps in conjunction with the Kunsthalle Bremen, Germany, WOLS: Retrospective introduces broad audiences to the work of a fascinating artist who for the most part remains unknown in the United States.


Wols, Menil Collection 2013

tableau de Wols intitulé le fantôme bleu


In honour of Wols’ (Wolfgang Schulze, 1913-1951) hundredth birthday, the Kunsthalle Bremen together with the Menil Collection in Houston is presenting the exhibition “Wols: The Retrospective.” This is the most extensive presentation of the artist’s work in almost 25 years (since the exhibition in the Kunsthaus Zurich and the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf in 1989), comprising of over 200 works (about 35 paintings, 125 watercolours and drawings, 30 photographs, and 10 illustrated books).  
Wols’ equally eventful and tragic biography, shaped by war, flight and destitution, was seen, until now, as the decisive key to the understanding of his oeuvre. For the first time, the exhibition at the Kunsthalle Bremen takes as its starting point the work itself and looks at the artist as a protagonist of the international avant-garde. It traces the path from the artist's initial Surrealist experiments to his revolutionary late work which, as a manifestation of Art Informel, exercised one of the decisive influences on post-1945 art. Over a productive period of only fifteen years, Wols created an oeuvre which numbers among the most astounding artistic achievements of mid-twentieth century art. Wols' drawings, watercolours, and paintings developed from a slow creative process and a capacity for transformation which can be retraced in the works themselves. The exhibition culminates in the impressive selection of paintings in which the artist creates abstract structures and rough surface textures that are the foundation of a new painterly language.  
The curators Dr. Ewald Rathke, the recognized Wols expert who has concerned himself with the artist for over five decades, and Toby Kamps from the Menil Collection have made a concise selection, shedding new light onto the work of this outstanding 20th-century artist and impressively demonstrating his continuing relevance. The rich holdings of the Menil Collection in Houston and of the Karin und Uwe Hollweg Foundation in Bremen form the basis of this selection complemented by many rarely seen works on loan from international museums and private collectors.  
Following the presentation at the Kunsthalle Bremen, the exhibition will be shown at the Menil Collection, Houston from the 12 September 2013 to 12 January 2014. A substantial and richly illustrated publication accompanies the exhibition.


Wols, Kunsthalle Bremen 2013

Affiche de l'exposition Pollock au Centre Pompidou de Paris, en 1982


Cette exposition est consacrée à Jackson Pollock, héros de la peinture aux Etats-Unis, après la Deuxième Guerre mondiale. Il s’agit de sa première rétrospective en France depuis 20 ans.

En introduction à l’œuvre de Jackson Pollock, des peintures de Picasso, André Masson, Rothko, Motherwell… et de nombreux documents. Parallèlement à l’exposition, le Centre Georges Pompidou organise une série de conférences, ainsi qu’un important cycle de films documentaires sur et autour Pollock.

Pollock disait : « Quand je suis dans mon tableau, je ne suis pas conscient de ce que je fais. C’est seulement après une espèce de « prise de connaissance » que je vois ce que j’ai voulu faire. Je n’ai pas peur d’effectuer des changements, de détruire l’image, parce qu’un tableau a sa vie propre. J’essaie de la laisser émerger. C’est seulement quand je perds le contact avec le tableau que le résultat est chaotique. Autrement il y a harmonie totale, échange facile, et le tableau est réussi. »
Cité par Jim Palette in CNAC magazine, n°7, janvier-février 1982

Cette exposition est réalisée avec le concours notamment du Musée d’art moderne de New York, du Metropolitan Museum de New York et de la National Gallery de Washington.

Commissaire : Mnam, Daniel Abadie


Les chefs d'œuvre de Pollock

Affiche de l'exposition Jean paulhan à travers ses peintres


[Braque](/artistes/braque'), [Picasso](/artistes/picasso), [Fautrier](/artistes/fautrier), [Dubuffet](/artistes/dubuffet), [Michaux](/auteurs/henri-michaux), [Klee](/artistes/paul-klee), [Wols](/artistes/wols), [Rouault](/artistes/rouault), [Seurat](/artistes/seurat), [Soutine](/artistes/soutine) [Chirico](/artistes/chirico), [Chagall](/artistes/chagall), [Chaissac](/artistes/gaston-chaissac), [Karskaya](/artistes/karskaya), [Fièvre](/artistes/yolande-fievre)...

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Voir le [texte de présentation de l'exposition](/sur-paulhan/jean-paulhan-a-travers-ses-peintres) par André Berne-Joffroy qui en était aussi l'organisateur

[Jean Paulhan à travers ses peintres, par Jean-Marie Dunoyer, Le Monde 7 février 1974](https://www.lemonde.fr/archives/article/1974/02/07/jean-paulhan-a-travers-ses-peintres_2531336_1819218.html)


Jean Paulhan à travers ses peintres

Affiche de l'exposition rétrospective sur Fautrier au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris en 1964


Archives de l'exposition "Jean Fautrier : rétrospective" [présentée au MAM du 01/04 au 31/05/1964]

Quatre ans après le Grand Prix de la Biennale de Venise (1960), une série de manifestations anthologiques et une bibliographie abondante et prestigieuse, l'oeuvre de Jean Fautrier divisait encore la critique et demeurait méconnue du grand public. Cette rétrospective —&nbsp;accompagnée de la donation de l'artiste au MAMVP permettant une présentation de ses oeuvres dans la Collection permanente du musée&nbsp;— va contribuer à une plus large reconnaissance de Jean Fautrier.

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[Catalogue de l'exposition](https://www.parismuseescollections.paris.fr/fr/ressources-bibliographiques/jean-fautrier-exposition-organisee-au-musee-d-art-moderne-de-la-ville-de#infos-principales)

[Oeuvres en relation avec l'exposition](https://www.parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-d-art-moderne/oeuvres/les-boites-de-conserve#infos-principales)


Jean Fautrier : rétrospective, MAM 1964

Couverture d'un exemplaire de la revue Commerce

**Hommage à COMMERCE** 
LETTRES ET ARTS À PARIS 
1920 - 1935

_Exposition sous le patronage de l'Ambassade de France en Italie, de la Ville de Rome, de la Fondation Primoli, et de l'Association Française d'Action Artistique_. 
5 Décembre - 30 Janvier 
Palazzo Primoli, Piazza Zanardelli 1, Rome

Commerce, revue littéraire fondée en 1924 par Marguerite Caetani, se présente
sous la forme de vingt-neuf «&nbsp;cahiers trimestriels publiés par les soins de&nbsp;»
Valéry, Fargue et Larbaud. Elle s’inscrit magistralement dans le champ
concurrentiel des revues des années vingt. Commerce joue un rôle de «&nbsp;découvreur&nbsp;» important, s’ouvre au meilleur des auteurs étrangers de son temps et
redécouvre des anciens textes capitaux&nbsp;: par son esprit «&nbsp;classique moderne&nbsp;»,
Commerce réinvente l’héritage classique.

* * *

_Vous me demandez comment Commerce a commencé. Je vais vous le dire. À l'époque de la Villa Romaine (c’est le nom de la résidence où Marguerite Caetani a séjourné, à Versailles, pendant de longues années), nous réunissions une foule d'artistes pour nos déjeuners du dimanche, déjeuners qui se prolongeaient jusqu'à devenir les « dîners du dimanche ». Parmi les assistants, un petit groupe d'amis, qui comptait Valéry, Valery Larbaud, Fargue, Adrienne Monnier, Paulhan, un peintre ou deux, un musicien ou deux prirent l'habitude de déjeuner ensemble tous les quinze jours. Nous nous réunissions dans un restaurant, toujours différent, si possible, et généralement choisi par Fargue_. 
_Un jour, Valéry dit tout d'un coup : « pourquoi ne continuerions-nous pas nos réunions en publiant, en revue, nos dialogues. Comme titre, je suggère Commerce : commerce des idées ». Cette idée enchanta tous les présents. Les directeurs furent désignés immédiatement. Adrienne Monnier et moi-même prîmes en charge la mise en train et nous commençâmes aussitôt. Quant au résultat, c'est à vous d'en juger. J'ai été énormément aidée par Paulhan qui m'a permis de chercher parmi les manuscrits qu'il recevait pour la Nouvelle Revue Française, de même que par Alexis Léger qui choisissait les poèmes que nous avons publiés_. 
(Marguerite Caetani, extrait du catalogue de l'exposition)￼￼

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[Sommaires de la revue Commerce](/revues/commerce)

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Jean Paulhan

Les expositions autour des artistes de Jean Paulhan

2024 — Surréalisme, Centre Pompidou 2024

2023 — Wols, Galerie Karsten Greve, Paris, 2023

2023 — Germaine Richier, Centre Pompidou 2023

2021 — Zao Wou-Ki, Il ne fait jamais nuit

2020 — Chicago Calling

2020 — Wols, Histoires naturelles, Centre Pompidou 2020

2020 — Félix Fénéon. Les temps nouveaux, de Seurat à Matisse

2019 — Félix Fénéon. Les arts lointains

2018 — Jean Fautrier, Matière et lumière

2016 — Henri Michaux et Zao Wou-Ki dans l’empire des signes

2015 — Jean Paulhan, Dans le secret de la peinture moderne

2013 — Georges Braque

2013 — Wols, Menil Collection 2013

2013 — Wols, Kunsthalle Bremen 2013

1982 — Les chefs d'œuvre de Pollock

1974 — Jean Paulhan à travers ses peintres

1964 — Jean Fautrier : rétrospective, MAM 1964

1958 — Hommage à Commerce : lettres et arts à Paris, 1920-1935