
Georges Braque, né à Argenteuil (Seine-et-Oise, actuellement Val-d'Oise) le 13 mai 1882 et mort à Paris le 31 août 1963, est un peintre, sculpteur et graveur français.

D'abord engagé dans le sillage des fauves, influencé par Henri Matisse, André Derain et Othon Friesz, il aboutit, à l'été 1906 aux paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes que Matisse qualifie de «&nbsp;cubistes&nbsp;», particulièrement typées dans le tableau Maisons à l'Estaque. Cette simplification est censée être à l'origine du cubisme qui reste controversée, selon Olivier Céna.

C'est en étudiant méthodiquement, dès 1906, les lignes de contour de Paul Cézanne, que Braque a abouti progressivement à des compositions qui utilisent de légères interruptions dans les lignes, comme dans Nature morte aux pichets. Puis avec une série de nus comme le Nu debout, et Le Grand Nu, il s'oriente, après 1908, vers une rupture avec la vision classique, l'éclatement des volumes, une période communément appelée cubiste, qui dure de 1911 jusqu'en 1914. Il utilise alors des formes géométriques principalement pour des natures mortes, introduit les lettres au pochoir dans ses tableaux, invente des papiers collés. En véritable «&nbsp;penseur&nbsp;» du cubisme, il élabore des lois de la perspective et de la couleur. Il invente aussi les sculptures en papier en 1912, toutes disparues, dont il ne subsiste qu'une photographie d'un contre-relief.

Mobilisé pour la Grande Guerre où il est grièvement blessé, le peintre abandonne les formes géométriques pour des natures mortes où les objets sont dans des plans recomposés. Pendant la période suivante qui va jusqu'aux années 1930, il produit des paysages, des figures humaines et, malgré la diversité des sujets, son œuvre est d'une remarquable cohérence. Braque à la fois précurseur et dépositaire de la tradition classique est le peintre français par excellence. Le Cahier de Georges Braque, 1917-1947, publié en 1948, résume sa position.

La Seconde Guerre mondiale lui a inspiré ses œuvres les plus graves&nbsp;: Le Chaudron et La Table de cuisine. La paix revenue et la fin de sa maladie lui ont inspiré les œuvres plus approfondies, tels les Ateliers, qu'il élabore souvent pendant plusieurs années, poursuivant six ébauches à la fois ainsi qu'en témoigne Jean Paulhan. Ses tableaux les plus connus sont aussi les plus poétiques&nbsp;: la série des Oiseaux, dont deux exemplaires ornent le plafond de la salle Henri-II du musée du Louvre, depuis 1953. Il a aussi créé des sculptures, des vitraux, des dessins de bijoux, mais à partir de 1959, atteint d'un cancer, il ralentit son rythme de travail. Son dernier grand tableau est La Sarcleuse.

Deux ans avant sa mort, en 1961, une rétrospective de ses œuvres intitulée L'Atelier de Braque a lieu au musée du Louvre, Braque devient ainsi le premier peintre à être exposé dans ce lieu de son vivant.

Homme discret, peu porté sur les relations publiques, Braque était un intellectuel féru de musique et de poésie, ami notamment d'Erik Satie, de René Char, d'Alberto Giacometti. Il s'est éteint le 31 août 1963 à Paris. Des obsèques nationales ont été organisées en son honneur, au cours desquelles [André Malraux a prononcé un discours](https://www.ina.fr/ina-eclaire-actu/video/i06061540/hommage-de-malraux-a-georges-braque).

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## Ressources

[WikiArt](https://www.wikiart.org/fr/georges-braque)

[Images et photos](https://www.google.com/search?q=georges+braque&tbm=isch&ved=2ahUKEwiFh4eDxZrpAhWHOuwKHQDhAy8Q2-cCegQIABAA&oq=georges+braque&gs_lcp=CgNpbWcQAzICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAA6BAgAEENQkri1Ali50rUCYITctQJoAHAAeACAAWuIAYULkgEDNi44mAEAoAEBqgELZ3dzLXdpei1pbWc&sclient=img&ei=0DawXoXfCYf1sAeAwo_4Ag&rlz=1C5CHFA_enFR810FR811)

[Georges Braque - Artsy](https://www.artsy.net/artist/georges-braque/works-for-sale)

[Dominique Aury à propos de Georges Braque - INA](https://www.ina.fr/video/I13182667/dominique-aury-a-popos-de-georges-braque-video.html)

[Georges Braque : Entretien avec Georges Charbonnier, France Culture](https://www.youtube.com/watch?v=fAfZPb_8KzI)

[Une vie, une oeuvre - Georges Braque](https://www.youtube.com/watch?v=bMKREtwjE8c&list=PLagEsBu5pFhGf8L4FlFS1sYW93xRMYdLo&index=293)

[Georges Braque illustrateur, 1962 - INA](https://www.ina.fr/video/I13163510/georges-braque-illustrateur-video.html)

[Georges Braque compose une carte de voeux, 1952 - INA](https://www.ina.fr/video/I13163495/georges-braque-compose-une-carte-de-voeux-video.html)

[Brassaï sur Georges Braque, 1960 - INA](https://www.ina.fr/video/I13217116/brassai-sur-georges-braque-video.html)

[Hommage de Malraux à Georges Braque, 1963 - INA](https://www.ina.fr/video/I06061540/hommage-de-malraux-a-georges-braque-video.html)

[Georges Braque - FranceArchives](https://francearchives.fr/fr/commemo/recueil-2013/39281)


Georges Braque, peintre, sculpteur et graveur français

Georges Braque


De toute évidence, les personnages qui habitent les toiles de Campigli obéissent, plutôt qu'à des manies ou à de simples habitudes, à des rites. C'est ce qu'on voit à leur silence, à leur satisfaction raisonnable, à leur innocence, à leur allure sacrée. Il semble qu'ils nous protègent. De quoi&nbsp;?  
Il ne s'agit pas du tout de l'un de ces sacrés du genre hiératique qui font tout de suite songer aux Celtes ou aux Peaux-Rouges, et (du même coup) aux sociologues. Non, mais d'un sacré familier, et même, si je peux dire, populaire, qui tolère très bien la plaisanterie, et même l'ironie.

**L'abeille**

A la façon d'une abeille, Campigli commence par enfermer ses personnages dans leurs alvéoles. Parfois seuls&nbsp;; le plus souvent à deux, trois ou quatre ensemble. Tantôt les alvéoles voisins sont séparés par les barreaux d'une rampe, les marches d'un escalier, les étagères d'une armoire, le grillage d'une fenêtre, les lignes d'un damier. Tantôt par une simple épaisseur d'air. (Il arrive — comme dans la suite des tisseuses — que la prisonnière tisse elle-même sa prison.) Comment s'y prend-il&nbsp;? Rien n'isole mieux ses créatures qu'une paroi d'air, une rangée de colonnes d'air. Ses personnages... autant dire ses filles et ses femmes. Il n'y a guère plus d'hommes dans ses toiles que d'abeillauds dans une ruche.

On songe un instant à ces filles d'autrefois qui épousaient (comme on dit) une grille. Mais dans quel cloître&nbsp;? A ces jeunes femmes que Jérôme enserrait dans une cotte de mailles. Mais les héroïnes de Campigli sont rarement nues plus bas que le faux du corps&nbsp;: à l'ordinaire, habillées avec soin, et même avec trop de soin, empêtrées dans leurs corsets (qui les font ressembler à des sabliers), et dans leurs robes. Sans compter qu'il leur manque parfois un bras, une jambe, un sein&nbsp;: bien incapables de se tirer d'affaire toutes seules, si Campigli ne venait pas — comme à des larves ou des nymphes — leur apporter le miel et l'eau, qu'elles appellent, les éventer (comme font, dans la ruche, les ouvrières batteuses d'ailes).  
Ou bien encore ménager ces mystérieuses communications, ces attouchements et ces connivences, que filent de l'une à l'autre un frôlement, un sourire, un collier, divers jeux.

**Non sans insistance**

Il n'a pas grande envie de s'adresser à nous. Il n'est pas tourné vers nous. Parfaitement indifférent aux résultats. De ce côté-là aussi comme du côté de la souffrance ou de la mort, ses tableaux sont fermés. On dirait, plutôt qu'un discours, un vieux rêve d'enfance, qu'il remanierait sans cesse, chaque soir ajoutant à la collection les captives de la journée. Ç'a dû être d'abord (je suppose), l'émotion aidant, avec un grand désordre de jour et de nuit. Puis Campigli est devenu peintre, et les rêves ont dû se glisser dans ses toiles, à son insu. C'était vers le cubisme.  
Le cube n'était pas fait, non, pour embarrasser Campigli. Il l'a pris tel quel, simplement il l'a évidé et transformé en une sorte de cellule (où les jeunes femmes, qu'il surveille, jouent volontiers à des jeux enfantins). D'ailleurs, il le traite assez librement, passant de la cellule régulière (à fond pyramidal et troncatures obliques) à la cellule royale en forme de dé à coudre. L'arête, marquée ou non, est toujours présente. La lumière stable ressemblerait plutôt à un sédiment laissé par le soleil, les pluies, les brouillards. Même les couleurs varient peu&nbsp;: terre de Sienne... — mais non, mieux vaut le dire en italien&nbsp;: terra di Siena bruciata, ombra naturale, ocra d'oro, terra verde. Les toiles de Campigli font songer à quelque marqueterie, qui aurait passé de main en main. Ou à quelque mosaïque, sur laquelle on aurait longtemps marché.  
Ici l'on va parler peut-être de monotonie. Si l'on veut. C'est simplement étrange que l'exaltation continue, l'enthousiasme sans cesse — et d'autre part l'âme terne, l'assoupissement — montrent au-dehors, à peu de chose près, la même figure. S'il nous semble parfois que Campigli se répète, nous éprouvons, bien plus sûrement, qu'il insiste, parce qu'il lui faut insister. C'est que nous n'avons pas encore, ni lui, tout à fait compris.
Qu'est-ce que l'inspiration&nbsp;? C'est d'avoir une seule chose à dire, qu'on n'est jamais fatigué de dire.

**Le maître des contacts**

N'empêche que devant ses toiles il vous vient des réflexions bêtes, ou du moins naïves. On se dit&nbsp;: c'est pourtant vrai qu'il est différent de se promener — de jouer, d'être assis — à deux, à trois ou à quatre. (Bien qu'on n'y songe guère, d'habitude.) Mais différent en quoi&nbsp;? C'est difficile à comprendre. Non moins difficile que ces contacts lointains&nbsp;: l'eau qui réunit deux baigneuses, la balle qui vole d'une fille à l'autre, l'air qui tout à la fois sépare et confond deux captives. Ou proches&nbsp;: les cheveux que l'on partage, avant de les tresser, un écheveau que l'on dévide, un chapeau que l'on essaie.  
Qui donc a imaginé d'appeler touche une passade (ou plutôt l'espoir d'une passade)&nbsp;? Qui a remarqué que l'amour était le contact de deux épidermes&nbsp;? Ils ont dit bien plus qu'ils ne pensaient dire. Tout cela fait un étrange domaine, où nous ne possédons guère que des embryons d'antennes, des ébauches de facultés. Il y faudrait le même effort d'attention, de rassemblement, qui fait les médecins distinguer entre le contact médiat et l'immédiat, les géomètres entre les contacts de premier ou de second ordre. Faute de quoi, je ne vois comment éviter les réflexions bêtes.  
Mais Campigli n'a guère besoin de réflexions&nbsp;: il est peintre. Peintre et maître de ce pays un peu trouble, où les événements se passent en silence, où frissonne un filet nerveux et se prolonge une vibration. C'est le pays qu'habitaient déjà certaines filles crétoises, ou pompéiennes, les deux dames au bain, dont l'une (Gabrielle d'Estrées, je crois) pince le bout du sein de la duchesse de Villars. Mieux encore, la “scène de la vie conjugale” de San Gimignano où le mari et la femme, à la fois absents et présents l'un à l'autre, trempent dans le même grand tonneau.  
D'ailleurs, Campigli n'aime pas tant que ça qu'on l'appelle maître.

Que les toiles de Campigli à leur tour nous touchent (si j'ose dire) aujourd'hui à ce point, ni leur harmonie, ni leur rigueur, ni l'extrême délicatesse de leurs nuances ne suffiraient sans doute à l'expliquer. Mais je songe plutôt que nous sommes tous pris, à notre corps défendant, dans une civilisation raisonnable, armée d'engins et de blocs de béton, où science signifie moins vérité qu'industrie, où la maison n'est plus qu'une machine à habiter, et la main va jusqu'à s'appeler parfois appareil à tâter&nbsp;: bref, privée peu s'en faut — je ne dis pas seulement, la chose va de soi — de sacré&nbsp;; mais précisément de cette communion particulière et de ces contacts que nous dispense avec une timidité résolue le moindre tableau de Campigli.

Jean Paulhan, 1950.

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## Ressources

[Images et photos](https://www.google.com/search?q=massimo+campigli&hl=fr&sxsrf=APq-WBvBYWUHmjGvkx1DouJ5sqxLn18JnA:1645391956525&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwj_stbYmo_2AhXhRfEDHZVUBhwQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1488&bih=926&dpr=2)

[Massimo Campigli au Centre Pompidou](https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/personne/crbXnxj)

[Scrupoli di Massimo Campigli - vidéo, italien](https://www.youtube.com/watch?v=uhLQIfWKDgo)

[Massimo Campigli, RAI, Incontri a cura di Gastone Favero - vidéo, italien](https://www.youtube.com/watch?v=ZRAdiVv4aU4)


Massimo Campigli, de son véritable nom Max Hilenfeld est un peintre italien.

Massimo Campigli


<h2><small>Chagall à sa juste place</small></h2>

Ce merveilleux poisson vert, ces amoureux dans la nuit, on voudrait leur donner des fleurs, leur faire un sacrifice de fleurs. Justement Chagall y a songé le premier. Et même le bouquet a grandi, est devenu tout un arbre, qui abrite les amoureux. Quelle joie, et qui va loin&nbsp;! C'est comme s'il n'avait pas honte de nous dire ce qu'au fond nous pensons tous, ce que nous n'arrêtons pas d'imaginer. Il en est lui-même tout surpris&nbsp;: émerveillé. Pourtant ce n'est pas la joie satisfaite, la joie sensuelle d'un Rubens ou d'un Renoir. Elle porte en elle on ne sait quelle mélancolie (comme si Chagall regrettait d'avoir coupé les fleurs).
Cette joie extraordinaire, ah&nbsp;! ce n'est pas ça qui aide à parler de lui. Au contraire. Il y a des gens aussi qui se figurent que c'est plus facile de travailler, si l'on a devant sa fenêtre un joli paysage. Eh bien&nbsp;! ce n'est pas vrai. Il n'y a rien qui embrouille autant. Mieux vaut une petite chambre avec de l'ombre, beaucoup d'ombre.

**1**

Qu'est-ce que c'est qu'une couleur, qu'est-ce que c'est qu'une forme&nbsp;? Je n'en sais rien. Personne n'en sait rien. C'est comme la lumière ou l'homme&nbsp;: ce sont là des mots qui sont plus clairs d'eux-mêmes que tout ce qu'on en dirait. Mais, je puis du moins observer leurs changements. Je puis me demander ce que le peintre veut me dire, ce qu'il me donne à entendre par leurs variations.  
Donc Chagall est peintre, et peintre moderne. Il se plie (quand il ne les invente pas) à tous les principes de la peinture moderne, tels qu'ils ont été fixés entre 1900 et 1910 (et c'est précisément en 1910 que Chagall, parti de son Vitebsk natal, arrive à Paris). Quels principes&nbsp;? Il n'est pas facile de dire ce qu'ils acceptent. Mais on voit très bien ce qu'ils refusent, ce dont ils ne veulent plus entendre parler, ce dont ils nous purifient. Il est d'abord sensible que le tableau se voit privé de ses moyens. Si loin que l'on remonte dans l'histoire de la seule peinture que nous connaissions — la peinture européenne —, elle se trouve caractérisée par un ensemble de procédés — ou, si l'on préfère, d'illusions&nbsp;: l'illusion de la matière, l'illusion du volume, la perspective linéaire et la perspective colorée, le dessin du détail, la correction anatomique, la couleur propre des objets. Or il n'est pas un de ces procédés qui subsiste de nos jours. Ils s'en sont allés l'un après l'autre&nbsp;: la perspective linéaire dès Daumier et Manet, le dessin du détail dès Gauguin et Van Gogh, la correction anatomique dès Ingres et Cézanne, la couleur locale dès Monet, l'illusion du volume dès Gauguin, l'illusion de la matière dès Matisse, et tous ces moyens à la fois dès Braque et Picasso.  
Or la nature ne se trouvait dès lors pas mieux traitée — puisque tant de moyens ne tendaient après tout qu'à la rendre (quoi, nous l'avions donc perdue&nbsp;?). La peinture abstraite commence le jour où le peintre — vers 1907 — appelle portrait une toile où personne ne saurait distinguer une bouche, un front ou des yeux. Que voit-on dans une toile non figurative&nbsp;? Des miroitements sans miroirs, des corridors sans issue, des stalactites sans grottes. Tout se passe étrangement dans la peinture moderne comme si notre monde avait été heurté dans sa course par quelque autre monde, qui n'en aurait laissé subsister que des fragments, parfois reconnaissables, et parfois non. De sorte que c'est le défaut qui nous frappe d'abord&nbsp;: la lézarde et la faille — comme s'il n'était pas un objet au monde qui n'eût sa fissure. C'est aussi l'étrangeté — comme s'il n'était pas un objet qui ne fût propre à nous dérouter. Et tout ce qui s'ensuit&nbsp;: voici de nouveaux objets étranges, autonomes, ne tenant que d'eux-mêmes une existence dont le peintre est innocent, ambigus d'ailleurs, et prêtant à mille sens divers&nbsp;; ou bien, quand ce sont encore des objets naturels, c'est leur ordre qui fait défaut. Ils ont perdu le contact, les plus fixes ont été un peu ébranlés et déplacés, déménagés. A la suite de quel choc, de quel heurt&nbsp;? Ils ne sont plus à leurs niveaux&nbsp;: un peu plus haut, un peu plus bas qu'ils ne devraient, et qui nous montrent moins des espaces et des distances qu'ils ne nous tiennent à distance.  
Or Chagall accepte toutes ces conditions, toutes ces règles de la peinture moderne. On ne voit chez lui ni perspective linéaire ni perspective colorée, ni volume, ni, bien entendu, correction anatomique ou couleur locale. Ajoutez qu'il ne triche pas&nbsp;: ce n'est pas lui qui glisserait dans ses images quelque “perspective curieuse”, quelque trait réaliste et cette sorte d'appel (un peu astucieux) au spectateur.  
Mais tout se déroule comme si, du premier coup, il était passé de l'autre côté sur ce monde qui est venu briser le nôtre et qu'il s'y tînt solide, parfaitement résigné aux sacrifices (et même il semble s'en réjouir), qu'il n'en fût pas dérouté, qu'il s'y trouvât chez lui, qu'il eût prévu cette lézarde, qu'il se fût déjà glissé dans cet hiatus, qu'il eût exploré ces abîmes de haut en bas.

**2**

L'art de tout temps a eu partie liée avec la religion. Aux dieux et aux déesses antiques succède à point nommé le peuple des Christs et des Vierges, des saints et des anges. Ce renouvellement du personnel se fait très régulièrement, comme s'il avait été réglé d'avance. Plus tard viendront les Libertés et les Justices, et les rois et les grands capitaines, toujours prêts à se prendre pour des dieux. Mais la peinture moderne, dans le même temps qu'elle brise avec les moyens qui de tout temps avaient été ceux de la peinture, rompt avec tant d'évocations sacrées, et, le moins qu'il faille dire d'elle, c'est qu'elle brise avec le sacré pour devenir elle-même divine. Bref, il se produit en peinture, vers 1910, l'équivalent d'un réveil religieux. Comme si l'on était enfin sur le point de savoir ce que c'est que la peinture et ce que c'est que l'art. Et qu'autour de cette connaissance nouvelle tout un monde nouveau dût se reconstituer. Les jeunes peintres se voient tous au seuil d'une ère et d'une civilisation inespérée. Il s'agit désormais moins de se plier à la réalité que de découvrir la vérité.  
Bref, en pleine aventure mystique. Et Chagall avec eux qui vient d'arriver de Vitebsk, de ce Vitebsk où il a laissé son père le marchand de poisson, et son grand-père le sacrificateur. C'est dire qu'il ne se sent pas le moins du monde dérouté ni déçu. D'ailleurs, jamais la joie des images n'a été empoisonnée pour lui. A vingt ans, il en est encore au dessin d'enfant. Il est sans doute excellent qu'on enseigne dans les écoles le dessin d'imitation et le reste. Il s'agit de décourager les enfants — il y en a&nbsp;! — qui voudraient devenir peintres. Mais Chagall n'a guère eu à se défendre. Personne ne lui a jamais expliqué le travail, le décourageant travail de la ressemblance&nbsp;: le faux volume, la fausse matière, le trompe-l'œil, le faux éloignement, la fausse couleur. Ce qui l'étonne chez les cubistes, ce serait plutôt leurs scrupules, leur réalisme excessif.  
Cependant ces cubistes poursuivent leur travail. Quel travail&nbsp;? Eh bien&nbsp;! on sait de reste que l'expérience mystique se marque d'abord par le refus et la négation&nbsp;: refus de la richesse et de la gloire, refus des beaux vêtements et des beaux corps, refus des sensations agréables, refus de la réflexion même et de l'esprit. Tant d'absences à la fin composent à la vie du mystique un paysage fait de défauts et de failles, à la façon d'un tableau moderne. Je ne crois pas qu'on l'ait jamais remarqué&nbsp;: les trois moments que les mystiques ont de tout temps distingués dans leur démarche, la vie purgative, le sommeil des puissances, l'illumination, répliquent assez exactement aux trois périodes de la peinture moderne ou, c'est tout un, du cubisme&nbsp;: le cubisme analytique, le cubisme hermétique, la période cristal.
Mais il semble que Chagall du premier coup se voie porté jusqu'à l'illumination du cristal. Non sans trouble, certes, ni sans confusion. Parfois la réalité l'assaille et vient le troubler. Ou bien c'est le monde de naguère avec ses colporteurs volants, sa neige et ses barricades, qui a de la peine à s'accommoder d'un monde de forêts blondes et de tours Eiffel&nbsp;: à s'y loger sans trop s'y confondre.  
Mais quoi, du premier instant, Chagall se trouve accordé au divin. Ce n'est que d'adoration qu'il peut être question devant ses ânes bleus, horloges volantes, chevaux en flammes. Et même il ose parler sans la moindre gêne de ce qui nous hante tous dès l'enfance&nbsp;: de la naissance, du mariage ou de la mort.

**3**

M. Meyer Schapiro remarquait étrangement l'an passé que Chagall, en acceptant d'illustrer la Bible, allait à contre-courant de la peinture moderne, qui “préfère au sujet la spontanéité et le frisson immédiat”. Mais quoi&nbsp;! Chagall traitant la Bible, c'est aussi de façon toute spontanée et sans montrer grand souci des interprétations traditionnelles. Puis le frisson et la spontanéité, elles aussi, font un sujet. Quel sujet&nbsp;? c'est qu'il fallait, justement, passer par le frisson et le spontané. Et pourquoi&nbsp;?  
On n'évite pas ici de songer à toutes sortes de vieilles doctrines que nous n'avions jamais très bien comprises (moi du moins). Est-ce qu'elles me sont devenues claires&nbsp;? Non peut-être, mais elles éclairent très bien les tableaux modernes. Mais elles éclairent particulièrement ceux de Chagall. Je songe à Platon tenant que l'art est un moyen de connaissance. A Mengs, déclarant que l'esprit se voit bien mieux réjoui par ce qui est absent du tableau que par ce qui s'y trouve représenté. A Quatremère de Quincy&nbsp;: “L'œuvre d'art n'est belle que par ce qui lui manque pour paraître réalité.” A Victor Cousin&nbsp;: “Il n'y a de beau que ce qui n'est pas visible.” Bref, à la peinture allégorique. Quoi&nbsp;? c'est donc qu'il était arrivé déjà au manque et à la faille de nous révéler un autre monde, ce monde où Chagall du premier coup se trouve si bien installé&nbsp;? Et si l'on me dit que la peinture de ce genre n'a jamais produit que des enfants assez piteux, je ne serai pas embarrassé pour répondre que les beaux enfants devaient venir un peu plus tard et que la peinture moderne aurait eu moins de succès si elle n'avait été secrètement appelée, souhaitée, exigée. J'ajouterai — comme le tableau de nos jours représente moins le sacré qu'il n'est lui-même sacré — que sans doute l'art moderne applique moins quelque allégorie particulière qu'il ne figure le principe même de l'allégorie. Si cette allégorie paraît fuir le sujet, c'est de vrai qu'elle traite le sujet des sujets, la raison de la peinture.

Ici l'on n'évite guère de se demander pourquoi il fallait, pour pénétrer dans le ravissement de ce monde, la privation et le sacrifice. C'est à quoi je voudrais bien répondre qu'il existe peut-être un vice originel du monde, des arbres et des hommes tels que nous les voyons — et que ce pourrait bien être justement que nous les voyons. Un défaut essentiel de nos procédés et de nos moyens — et ce pourrait être qu'ils sont précisément des moyens et des procédés, que nous avons inventés. Et donc qui n'ont qu'une vérité fragile, qui tiennent à nos idées (et pourraient disparaître avec elles), à notre imagination (et donc s'évanouiraient si nous étions brusquement privés d'imagination), à nos mains, à notre action (et donc étroitement relatives à cette action)&nbsp;; bref, dont rien ne nous garantit la vérité. Je crois que telle est ici la raison des raisons.  
Pourtant, ce n'est pas ainsi qu'elle a dû se présenter à Chagall, sous cette forme abstraite. Il faut aussi qu'elle ait sa forme directe et enfantine, et propre à nous toucher tous.
Il arrive que la réalité se révèle à nous par éclairs. Il est des eaux si limpides et courantes, et des prés si verts et des brumes de nuit si bleues et des poissons à l'œil si grave, ou des vachettes si émouvantes dans leur nudité, que nous en sommes d'abord frappés (comme si elles venaient de se passer, comme si l'instant d'avant elles n'avaient pas été là), et nous nous demandons&nbsp;: “Que faire pour les mériter&nbsp;? Comment obtenir qu'elles nous reviennent&nbsp;?” Il y a plus d'un enfant, il y a plus d'un homme qui serait prêt à se priver de jouets pendant toute une semaine, à demeurer un mois dans une chambre sombre, à jeûner pendant cinq jours pour obtenir d'entendre une fois encore, comme il les a entendus une fois, chanter une mésange ou bondir une montagne.

Il est familier avec la source et la pluie. Il traite le soleil d'égal à égal. Il ne refuse rien. Il a peint, visiblement, tout ce qui l'occupe, des chevaux en flammes jusqu'à l'esprit aux grands yeux. Il est égal à lui-même dans la joie et dans la tristesse. Ou plutôt dans cet extrême bonheur qui n'ignore pas la tristesse et la privation. Ici, qui ne songerait d'abord à la mélancolie d'une race, entre toutes persécutée. Il n'est pas de divinité qui n'ait sa face noire. Et c'est aussi du jour où Paris a été supplicié que Chagall a cessé de l'aborder timidement — qu'il en a fait son second Vitebsk.  
Mais peut-être devait-il passer par les anxiétés et les sacrifices, pour être initié aux joies de la fascination. (Les sacrifices, c'est sans doute ce qu'on appelle l'âme.) Et qu'il en soit donc ainsi de nous tous, qui n'en sommes qu'aux premières années de l'histoire des dieux.

Jean Paulhan, 1957.

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## Ressources

[Images de Marc Chagall](https://www.google.com/search?q=marc+chagall&sxsrf=ALeKk01mRDIPnQEaOex1IZK7SnXjvRZ2vw:1628332392454&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwji88_u2p7yAhWD4IUKHb0gCWMQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=983)

[Marc Chagall : Entretien avec Georges Charbonnier](https://www.youtube.com/watch?v=_ynYKYvcB5U)

[Marc Chagall, l’ange saltimbanque : Une vie, une œuvre, France Culture](https://www.youtube.com/watch?v=Osb1G30V9-Q)

[Chagall, vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=fkk6Tz_HY20)

[Interview de Marc Chagall à Saint-Paul de Vence en 1967, vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=SnEAS2aAc0o)


Marc Chagall, peintre et graveur, naturalisé français en 1937

Marc Chagall


_Gaston Chaissac, né le 13 août 1910 à Avallon (Yonne) et mort le 7 novembre 1964 à La Roche-sur-Yon (Vendée), est un peintre et poète français_.

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## Ressources

[Site Gaston Chaissac](https://www.gaston-chaissac.org/)

[Gaston Chaissac - Singulier de l’art - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=OvmcO1oGnGo)

[(Ostinato) Gaston Chaissac - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=id8TVmbnkEk)

[Présence des arts - A la recherche de Gaston Chaissac - France Culture](https://www.franceculture.fr/emissions/la-nuit-revee-de/presence-des-arts-la-recherche-de-gaston-chaissac)

[Gaston Chaissac, peintre naïf ou artiste moderne&nbsp;? - France Culture](https://www.franceculture.fr/emissions/les-jeudis-de-lexpo-ete-10/gaston-chaissac-peintre-naif-ou-artiste-moderne)


Gaston Chaissac est un peintre et poète français

Gaston Chaissac


_Giorgio De Chirico, né le 10 juillet 1888 à Vólos en Thessalie (Grèce), et mort le 20 novembre 1978 à Rome (Italie), est un peintre, sculpteur et écrivain italien dont les œuvres, unanimement admirées des surréalistes jusqu'en 1925, ont ensuite été rejetées tout aussi unanimement. Il est l'un des fondateurs du mouvement de la peinture métaphysique_.

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## Ressources

[Images de Chirico](https://www.google.com/search?q=chirico&hl=fr&sxsrf=ALeKk03S_Je4A1WlGrAk1bO7raRKvYaSow:1628333508100&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjwt82C357yAhXwDGMBHQ0kD1UQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=926)


Giorgio De Chirico, peintre, sculpteur et écrivain italien.

Giorgio de Chirico


_Jean Dubuffet (Le Havre, 31 juillet 1901, Paris, 12 mai 1985) est un peintre, sculpteur et plasticien français, le premier théoricien d'un style d'art auquel il a donné le nom d'«&nbsp;art brut&nbsp;», des productions de marginaux ou de malades mentaux&nbsp;: peintures, sculptures, calligraphies, dont il reconnaît s'être lui-même largement inspiré_.

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## Ressources

[WikiArt](https://www.wikiart.org/fr/jean-dubuffet)

[Images et photos](https://www.google.com/search?q=jean+dubuffet&tbm=isch&ved=2ahUKEwil6aP315rpAhWOD-wKHd-2BVwQ2-cCegQIABAA&oq=jean+dubuffet&gs_lcp=CgNpbWcQAzICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAA6BAgjECc6BAgAEENQusIEWM3XBGCJ3wRoAHAAeACAAWSIAeYIkgEEMTIuMZgBAKABAaoBC2d3cy13aXotaW1n&sclient=img&ei=o0qwXuWLLY6fsAff7ZbgBQ&rlz=1C5CHFA_enFR810FR811)

[Page Jean Dubuffet de la Galerie de la Présidence](https://presidence.fr/artistes/jean-dubuffet/)

[Portraits de Jean Paulhan](https://fr.wikipedia.org/wiki/Portraits_de_Jean_Paulhan)

[Portrait de Jean Paulhan au MET](https://www.metmuseum.org/art/collection/search/489963)

[Portrait d'Henri Michaux au MoMA](https://www.moma.org/collection/works/80037)

[MoMA, 745 works online](https://www.moma.org/artists/1633?=undefined&page=&direction=)

[Jean Dubuffet : Une vie, une oeuvre - France Culture](https://www.youtube.com/watch?v=_ECde5YhxVw&list=PLagEsBu5pFhGf8L4FlFS1sYW93xRMYdLo&index=361&t=0s)

[Jean Dubuffet répond aux questions de Jean Amrouche, Georges Limbour et René de Solier, 1954 - France Culture](https://www.franceculture.fr/emissions/les-nuits-de-france-culture/la-nuit-revee-de-daniel-cordier-2013-211-des-idees-et-des-hommes-quelques-propos-sur-la-peinture)

[L'art brut et Paulhan, Mathieu Lindon - Libération](https://www.liberation.fr/livres/2003/11/20/l-art-brut-et-paulhan_452518/)

[Fondation Jean Dubuffet](https://www.dubuffetfondation.com/home.php?lang=fr)

[Fondation Jean Dubuffet - Portraits de Jean Paulhan](http://www.dubuffetfondation.com/oeuvre.php?quelle_oeuvre=363&lang=fr&chrono=1)

[Biographie audiovisuelle](https://www.dubuffetfondation.com/savie_videolistplayer.php?soundtoplay=36&lang=fr)

[Jean Dubuffet - Artsy](https://www.artsy.net/artist/jean-dubuffet/works-for-sale)

[Jean Dubuffet trouve l'architecture contemporaine "déprimante", 1969 vidéo INA](https://www.ina.fr/contenus-editoriaux/articles-editoriaux/1969-jean-dubuffet-trouve-l-architecture-contemporaine-deprimante)

[Jean Dubuffet parle de l'art brut, 1976 RTS](https://www.rts.ch/play/tv/cles-du-regard/video/jean-dubuffet?urn=urn:rts:video:11610716&startTime=81)

[Société des Amis de la Fondation Dubuffet](https://www.dubuffetfondation.com/fondation.php?menu=22&lang=fr#:~:text=La%20Soci%C3%A9t%C3%A9%20des%20Amis%20de,l'%C5%93uvre%20de%20Jean%20Dubuffet.)

[Jean Dubuffet - FranceArchives](https://francearchives.fr/fr/commemo/recueil-2001/39283)


Jean Dubuffet, peintre, sculpteur et plasticien français, le premier théoricien d'un style d'art auquel il a donné le nom d'art brut

Jean Dubuffet


_Max Ernst, né le 2 avril 1891 à Brühl et mort le 1er avril 1976 à Paris, est un peintre et sculpteur allemand naturalisé américain en 1948 puis français en 1958, dont l'œuvre se rattache aux mouvements dadaïste et surréaliste_.

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## Ressources

[Images de Max Ernst](https://www.google.com/search?q=max+ernst&sxsrf=ALeKk02qfrignD8XGQVMqlTYGgy5tgcSvA:1628361020290&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjaobjBxZ_yAhVT14UKHe4MBscQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=983)

[Max Ernst : Entretien avec Georges Charbonnier (1950-1953)](https://www.youtube.com/watch?v=ql6mLtee-SY)


Max Ernst, peintre et sculpteur allemand naturalisé américain en 1948 puis français en 1958

Max Ernst


_Jean Léon Fautrier, né le 16 mai 1898 dans le 8e arrondissement de Paris et mort le 21 juillet 1964 à Châtenay-Malabry, est un peintre, graveur et sculpteur français_.

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## Ressources

[WikiArt](https://www.wikiart.org/fr/jean-fautrier)

[Images et
photos](https://www.google.com/search?q=jean+fautrier&rlz=1C5CHFA_enFR810FR811&sxsrf=ALeKk01Slqx1hvzqHtVYKvTJ2SWH1ZNkRg:1588606403031&tbm=isch&source=iu&ictx=1&fir=3bWPAiqBtZvMrM%253A%252CJaoPS9qXy9M6pM%252C%252Fm%252F02rc7fl&vet=1&usg=AI4_-kRFMkPpschnL3Agt-qGsE15Vq5J6w&sa=X&ved=2ahUKEwjrmdyCxJrpAhXDGuwKHZEeAm8Q_B0wFHoECBUQAw#imgrc=3bWPAiqBtZvMrM:)

[Photos et images de Jean Fautrier](https://www.gettyimages.fr/photos/jean-fautrier?mediatype=photography&phrase=jean%20fautrier&sort=mostpopular)

[Page Jean Fautrier de la Galerie de la Présidence](https://presidence.fr/artistes/jean-fautrier/)

[Philippe Baraduc, Fautrier l'enragé, avec Jean Fautrier et Jean Paulhan (vidéo)](https://fresques.ina.fr/artsonores/fiche-media/InaGrm00828/philippe-braduc-fautrier-l-enrage.html)

[Des idées et des hommes, Jean Amrouche reçoit Paulhan et Fautrier, 1951](https://www.franceculture.fr/emissions/les-nuits-de-france-culture/des-idees-et-des-hommes-les-originaux-multiples-1ere-diffusion)

[Jean Fautrier l'enragé (vidéo)](https://www.youtube.com/watch?v=YJrXKFmOcNQ)

[Jean Fautrier, Matière et lumière (vidéo)](https://www.youtube.com/watch?v=dYG2lPN1BOc)

[Jean Fautrier au Musée d'Art Moderne (vidéo)](https://www.youtube.com/watch?v=2ZUEgVA7VA4)

[Collection Jean Fautrier au Musée d'Art Moderne](https://www.mam.paris.fr/fr/collections-en-ligne#/artworks?filters=query%3Afautrier&page=1&layout=grid&sort=by_author)

[L'encrier (de Jean Paulhan)](https://www.parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-d-art-moderne/oeuvres/l-encrierde-jean-paulhan#infos-principales)

[Jean Fautrier au Kunstmuseum Winterthur (vidéo)](https://www.youtube.com/watch?v=yz1o076EahE)

[Jean Fautrier, Grand Nu (vidéo)](https://www.youtube.com/watch?v=ocLv7YIVK3s)

[Les Otages de Jean Fautrier, 1962 - ORTF](https://enseignants.lumni.fr/fiche-media/00000001731/les-otages-de-jean-fautrier.html)

[Jean Fautrier - Artsy](https://www.artsy.net/artist/jean-fautrier/works-for-sale)

[Des idées et des hommes, Jean Amrouche reçoit Paulhan et Fautrier, 1951](https://www.franceculture.fr/emissions/les-nuits-de-france-culture/des-idees-et-des-hommes-les-originaux-multiples-1ere-diffusion)

[Jean Fautrier, "l'éternel revenant" - Frace Culture, l’exposition "Jean Fautrier, matière et lumière" au MAM, 2018](https://www.franceculture.fr/emissions/linvite-culture/visite-de-lexposition-jean-fautrier)

[Tête d'otage 1945](https://fr.wikipedia.org/wiki/T%C3%AAte_d%27otage_1945)

[Association des Amis de Jean Fautrier](https://www.gralon.net/mairies-france/paris/association-association-des-amis-de-jean-fautrier-paris_W751243724.htm)

[Jean Fautrier - France Archives](https://francearchives.fr/fr/commemo/recueil-2014/38932)


Jean Fautrier, peintre, graveur et sculpteur français

Jean Fautrier


**L'oniroscope**

C'est agréable de suivre les mouvements des nuages en tous sens&nbsp;: ceux qui montent, ceux qui descendent, et il y en a même qui ont l'air de tourner sur place. Il arrive qu'au même endroit du ciel les uns montent et les autres descendent&nbsp;: s'enfuient à droite comme à gauche. C'est agréable aussi de regarder une mer agitée. Ou des bulles de savon qui s'envolent sitôt gonflées, de n'importe quel côté. Sans raison apparente. Ou plutôt pour tant de raisons et de vents qu'on renonce vite à les chercher. D'ailleurs les vents ne se voient pas.  
C'est agréable, parce que tant d'agitations inexplicables nous donnent le sentiment que nos soucis ordinaires sont un peu frivoles, et nos pensées aussi, et bien sûr nos convictions&nbsp;; c'est un grand vide qui se pose en nous. Et pourquoi nous le donnent-elles&nbsp;? Est-ce que nous avions tant de soucis&nbsp;? On n'en sait rien. Pourquoi sommes-nous contents de nous trouver frivoles&nbsp;? Est-ce que nous étions trop sérieux&nbsp;? Est-ce que nous avions rêvé de passer dans la vie sans laisser la plus légère trace&nbsp;? Nous sommes comme ça.

Avec un peu de sable, deux ou trois fils, une étoile de papier peint, un carton fort et du papier collant, Yolande Fièvre fabrique de curieux jouets, qui font songer à des pics, des rivages polaires, des étendues noires et blanches que survole une montgolfière. Or vous n'avez pas plus tôt pris le jouet en main que le rivage fond en cendre et la montgolfière se change en araignée, sous une cascade de brouillards&nbsp;; le pic devient renne, cygne, vague, frégate ou bulle.  
Car le sable tient à la fois de la mer, et des nuages&nbsp;: changeant comme eux, et comme eux agréable à suivre de l'œil. Le vent, dès qu'il est vif, l'agite et le déporte. Cependant il se défend mieux que vague ou nuages&nbsp;: c'est qu'il est plus gauche et plus lourd. C'est aussi qu'il est retenu dans ses déplacements par toute sorte de racines et de radicelles invisibles, et les sables de Fièvre aussi avancent par soubresauts, de sorte qu'il se mêle à la frivolité on ne sait quel sentiment de courage ou de résistance.

C'est un jeu, auquel on passe volontiers des heures, et je le recommande sincèrement à tous ceux qui n'ont sous la main ni vagues ni nuages.  
J'ai parlé d'un jouet. C'est qu'il faut donner aux choses leur nom le plus modeste.

Jean Paulhan, 1957.

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## Ressources

[Images de Yolande Fièvre](https://www.google.com/search?q=yolande+fi%C3%A8vre&tbm=isch&ved=2ahUKEwju5cLCxZ_yAhWN0uAKHSDCDwAQ2-cCegQIABAA&oq=yolande+fi%C3%A8vre&gs_lcp=CgNpbWcQAzIFCAAQgAQ6CAgAEIAEELEDOgQIABBDOgsIABCABBCxAxCDAToICAAQsQMQgwE6BwgAELEDEEM6BAgAEB46BggAEAgQHlDx8QFY85UCYKedAmgAcAB4AIABeIgBnAmSAQQxMi4ymAEAoAEBqgELZ3dzLXdpei1pbWfAAQE&sclient=img&ei=PtEOYe7OIY2lgweghD8&bih=983&biw=1372)

[Œuvres de Yolande Fièvre (site de Nathalie Seroussi)](https://www.natalieseroussi.com/artists/96-yolande-fievre/works/)


Yolande Fièvre est une peintre et sculpteur française

Yolande Fièvre


Karskaya mène de front deux vies différentes&nbsp;: dans la première, elle prend leur écorce à des arbres innocents&nbsp;: bouleaux, chênes, cytises, et la colle sur sa toile. Elle y colle aussi des feuilles mortes, des rognures de cuir, des esquilles de contre-plaqué. Elle préfère à la peinture, visiblement, ces petites ordures. De sorte que l'amateur —&nbsp;le contemplateur&nbsp;— se dit d'abord&nbsp;: elle est généreuse. Elle veut sauver tout un rebut qu'à l'ordinaire nous négligeons.  
Mais c'est ce que dément aussitôt la férocité avec laquelle Karskaya arrache leur peau à des arbres encore vivants.  
Dans la seconde vie, Karskaya peint à l'encre de Chine de brefs lavis qu'elle appelle “lettres sans réponse” ou “gris quotidiens”. Ce sont des accents, des virgules, des échardes d'os, des bagarres de reflets, des points de lumière et des points d'ombre. Ah ! et surtout des points de grisaille. On dirait qu'elle a rencontré, entre soir et matin, ce même crépuscule dont on ne sait trop s'il annonce le jour ou la nuit.
Cela fait une sorte de filet zébré d'éclairs, une poussière de pierres, quelques lueurs à flanc d'abîme. Et nous les regardons dans le même sentiment de liberté où nous jettent les images qui nous viennent en foule sitôt que nous fermons les yeux. Cependant, il nous semble aussi que ces nouvelles figures sont vraies, comme si Karskaya donnait simplement libre passage aux signes qui jouent dans la nature, et c'est faute d'attention que nous ne les distinguions pas.

Il y a pas mal de gens pour se plaindre sottement que la vie soit courte. Sottement, puisque enfin pas un homme n'a jamais connu quoi que ce soit de plus long que la vie. Pourtant il y a de la sagesse dans cette sottise&nbsp;: c'est que nous avons beau atteindre à l'âge de cinquante ans, ou même de cent, nous n'en avons pas fini avec les surprises et les surprises. De sorte que nous avons bien le droit de nous plaindre, non pas que la vie soit courte, mais que notre vie à nous le soit un peu trop.
Je ne songe pas en particulier aux dernières découvertes de la science, qui ont certes leur charme (c'est un charme dont personne ne songe à se réjouir). Mais, à ne prendre que la peinture, nous avons vu depuis un demi-siècle les artistes remplacer leurs prisons par un abîme, leurs constructions par des éclairs, et —&nbsp;pour dire les choses tout à fait simplement&nbsp;— leurs volumes par de l'espace. Ce n'est pas qu'ils aient découvert quelques nouvelles raisons. Non. C'est qu'ils ont tiré parti de certain fait —&nbsp;si l'on aime mieux, de certain mystère&nbsp;— qui jusque-là passait inaperçu.
La vieille peinture, avec ses points de fuite et de distance, sa ligne d'horizon, bref, sa perspective, se fondait sur un événement banal&nbsp;: c'est qu'un objet éloigné nous semble plus petit qu'un objet voisin. Banal, mais à tout prendre étrange&nbsp;: ce pourrait être le contraire. On sait qu'un personnage illustre (entre autres) ne nous paraît pas moins grand de loin que de près&nbsp;; et la Lune, plus grande alors qu'elle est plus lointaine.  
Il n'est pas moins étrange —&nbsp;ni moins évident&nbsp;— qu'il nous suffise, pour faire de l'espace, de poser un point noir ou vert sur une feuille blanche (car le point aussitôt prend ses distances et se porte en avant de la feuille)&nbsp;; quoi ! sans même user de la plume ou du pinceau, de poser un papier de couleur, un débris d'écorce, une feuille morte sur du papier blanc. Et si le nouveau papier porte quelque signe de relief (comme il arrive pour les galons de tapisserie) le nouvel espace n'en est que plus frappant&nbsp;: plus convaincant. Ainsi commence, avec le papier collé, la peinture moderne. Telle est sa condition et son recours.

Tout ce que je voulais dire, c'est que Karskaya se trouve placée au centre même de cette condition. Elle en accepte mieux que personne les échanges et les servitudes. Elle se tient au plus près de l'événement, d'où sort aujourd'hui la peinture. Elle s'y retrempe et y reprend des forces non pas tous les dix ou vingt ans (comme la plupart des peintres), mais chaque jour, et pas un instant ne nous abuse. Ai-je dit le principal&nbsp;? C'est le grand sentiment d'évasion où nous jette la double vie de Karskaya. Et j'en vois très bien la raison&nbsp;: s'il est possible de mener de front deux existences différentes, pourquoi pas trois&nbsp;? Pourquoi pas sept ou neuf&nbsp;?

Jean Paulhan, 1959.

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## Ressources


Karskaya est une peintre et collagiste française d’origine russe

Karskaya


J'ai rencontré Paul Klee à Weimar, en 1927. Il m'a surtout parlé de musique où je n'entends pas grand-chose. Lui non plus, j'espère, qui rend toute musique inutile. Il habite plus près des hommes et des animaux à naître que des vivants&nbsp;: cela fait un royaume silencieux, où nous nous entendions très bien.

Jean Paulhan

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## Ressources

[Images et portraits](https://www.google.com/search?q=paul+klee&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878&sxsrf=ALeKk03ghhteL5RkR5kUQAl16ngK_BN-MA:1590253443045&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwiM_czcu8rpAhVS2aQKHRrdBYgQ_AUoAXoECCQQAw&biw=1292&bih=1017)

[Paul Klee - wikiArt](https://www.wikiart.org/fr/paul-klee)

[Paul Klee - artnet](http://www.artnet.fr/artistes/paul-klee/)

[Paul Klee : de l'art moderne - audio](https://www.youtube.com/watch?v=TZ15uCTYdIE)

[Paul Klee, Une vie, une oeuvre -France Culture, Vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=TLOoCeNld4Q&list=PLagEsBu5pFhGf8L4FlFS1sYW93xRMYdLo&index=285&t=0s)

[Paul Klee, l'ironie à l'oeuvre](https://www.youtube.com/watch?v=9rEAbgO4AFk)

[Ad Parnassum, de Paul Klee](https://www.kunstmuseumbern.ch/fr/voir/la-collection/videos-higlights-collection/klee-ad-parnassum-716.html)

[Le Centre Paul Klee à Berne](https://fr.wikipedia.org/wiki/Centre_Paul-Klee)

[Zentrum Paul Klee, Berne](https://www.zpk.org/)


Paul Klee est un peintre d'origine allemande, mais d'identité culturelle suisse.

Paul Klee


Marie n'était guère faite pour un temps où les tableaux sont devenus des réflexions, et des vues, plutôt que des visions. Elle nous a été donnée tout de même. Comme une pure grâce.  
Chacun sait que les sensuels à l'ordinaire ont l'air froid, les cruels tendre, et les intelligents ont l'air bête. Ainsi les hommes ne montrent à leur voisin que les traits dont ils ont voulu se défaire, déjà tout près de se détacher d'eux.  
Tant pis pour qui s'y laisse tromper. Ce que la sage Marie vous montre ici, ce ne sont pas les hommes. Mais plutôt leurs anges gardiens.

Jean Paulhan, 1949.

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## Ressources


Marie Laurencin, artiste-peintre figurative française, mais aussi graveuse et illustratrice, étroitement associée à la naissance de l'art moderne et de l'École de Paris.

Marie Laurencin


_André Lhote, né à Bordeaux le 5 juillet 1885 et mort à Paris le 25 janvier 1962, est un peintre, graveur, illustrateur, théoricien de l'art et enseignant français. Il est l'un des représentants du mouvement cubiste_.

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## Ressources

[Images et photos](https://www.google.com/search?q=andr%C3%A9+lhote&tbm=isch&ved=2ahUKEwjps-CS25LqAhXT_IUKHdXUBCcQ2-cCegQIABAA&oq=andr%C3%A9+lhote&gs_lcp=CgNpbWcQAzIECCMQJzIECCMQJzICCAAyAggAMgIIADICCAAyBAgAEB4yBAgAEB4yBAgAEB4yBAgAEB5Q0eH-BViN6v4FYNXy_gVoAHAAeACAAS6IAfQBkgEBNpgBAKABAaoBC2d3cy13aXotaW1n&sclient=img&ei=IzjvXqmWENP5lwTVqZO4Ag&bih=1017&biw=1445&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878&hl=fr)


André Lhote, peintre, graveur, illustrateur, théoricien de l'art et enseignant français

André Lhote


_André Masson, né le 4 janvier 1896 à Balagny-sur-Thérain (Oise) et mort le 28 octobre 1987 à Paris, est un peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre français_.

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## Ressources


André Masson, peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre français

André Masson


_Henri Matisse, né le 31 décembre 1869 au Cateau-Cambrésis et mort le 3 novembre 1954 à Nice, est un peintre, dessinateur, graveur et sculpteur français_.

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## Ressources

[Images de Henri Matisse](https://www.google.com/search?q=henri+matisse&sxsrf=ALeKk01JNOU565r-4R6XLGPWn0YBOVyFOg:1628458895719&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwi3sIqQsqLyAhWJyoUKHU-xBl0Q_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=926)


Henri Matisse, peintre, dessinateur, graveur et sculpteur français.

Henri Matisse


_Pablo Ruiz Picasso, né à Malaga (Espagne) le 25 octobre 1881 et mort le 8 avril 1973 à Mougins (Alpes-Maritimes, France), est un peintre, dessinateur, sculpteur et graveur espagnol ayant passé l'essentiel de sa vie en France_.

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## Ressources

[Images de Picasso](https://www.google.com/search?q=picasso&sxsrf=ALeKk03ZpuTNhsL6qgIFcenecbD7SApuVw:1628457787992&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwiFjPD_raLyAhVCgRoKHcWMCDAQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=926)


Pablo Picasso, peintre, dessinateur, sculpteur et graveur espagnol ayant passé l'essentiel de sa vie en France

Pablo Picasso


_Jackson Pollock, né le 28 janvier 1912 à Cody, dans le Wyoming, et mort le 11 août 1956 à Springs, dans l'État de New York, est un peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant_.

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## Ressources

[wikiArt](https://www.wikiart.org/fr/jackson-pollock)

[Images et portraits](https://www.google.com/search?q=jackson+pollock&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878&sxsrf=ALeKk02p5kAOVZEJQ8V-y0cKFBLiLUcJ4g:1589730483815&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjozprGn7vpAhXSCOwKHTIuC_MQ_AUoAXoECCUQAw&biw=1054&bih=1017)

[Images et portraits - Getty](https://www.google.com/search?q=jackson+pollock+getty&tbm=isch&ved=2ahUKEwjAveDHn7vpAhWD_IUKHQnaAUEQ2-cCegQIABAA&oq=jackson+pollock+getty&gs_lcp=CgNpbWcQAzIECAAQEzoCCAA6BAgAEB46BggAEB4QEzoICAAQCBAeEBNQzfIBWJD7AWC4gAJoAHAAeACAAd0BiAHxBZIBBTEuNC4xmAEAoAEBqgELZ3dzLXdpei1pbWc&sclient=img&ei=t1zBXoCGA4P5lwSJtIeIBA&bih=1017&biw=1054&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878)

[Jackson Pollock et le "dripping"](https://www.youtube.com/watch?v=1F3mGRh1oJ0)

[Jackson Pollock : Une vie, une oeuvre - France Culture](https://www.youtube.com/watch?v=AdXvOvss4FE&list=PLagEsBu5pFhGf8L4FlFS1sYW93xRMYdLo&index=392&t=0s)


Jackson Pollock, peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant.

Jackson Pollock


_Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française_.

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## Ressources

[WikiArt](https://www.wikiart.org/fr/germaine-richier)

[Images et photos](https://www.google.com/search?q=germaine+richier&tbm=isch&ved=2ahUKEwihs_uc2JrpAhUR7qQKHeyGA6AQ2-cCegQIABAA&oq=germaine+ri&gs_lcp=CgNpbWcQARgAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADICCAAyAggAMgIIADoECCMQJzoECAAQQzoFCAAQgwFQ66cCWMjEAmC83AJoAHAAeACAAXCIAbIHkgEEMTAuMZgBAKABAaoBC2d3cy13aXotaW1n&sclient=img&ei=8kqwXqHyLpHckwXsjY6ACg&rlz=1C5CHFA_enFR810FR811)

[Germaine Richier - Artsy](https://www.artsy.net/artist/germaine-richier/works-for-sale)

[Œuvres de Germaine Richier au Centre Pompidou](https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/personne/cejzR4d)

[Rétrospective Germaine Richier au Centre Pompidou, du 1er mars au 12 juin 2023](https://www.centrepompidou.fr/fr/programme/agenda/evenement/AQyCGJA)  
<small>Le parcours de l’exposition révèle comment Richier opère une revitalisation de la figure, forgeant après-guerre de nouvelles images de l’homme et de la femme. </small>


Germaine Richier


_Georges-Henri Rouault (Paris, 27 mai 1871 – Paris, 13 février 1958) est un peintre et graveur français_.

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## Ressources

[Georges Rouault - TV5 Monde - Les Maîtres de la peinture moderne](https://revoir.tv5monde.com/toutes-les-videos/culture/les-maitres-de-la-peinture-moderne-georges-rouault)

[Georges Rouault, le Christ, le clown et le zen / 1er partie](https://www.dailymotion.com/video/x7foto)

[Georges Rouault, le Christ, le clown et le zen / 2e partie](https://www.dailymotion.com/video/x7fy9c)

[Georges Rouault, le Christ, le clown et le zen / 3e partie](https://www.dailymotion.com/video/x7lxrb)

[Georges Rouault, le Christ, le clown et le zen / 4e partie](https://www.dailymotion.com/video/x7r9pi)


Georges-Henri Rouault est un peintre et graveur français

Georges Rouault


_Georges Seurat, né à Paris le 2 décembre 1859 et mort le 29 mars 1891, dans la même ville, est un peintre et dessinateur français, inventeur de la technique dite divisionniste, de division du ton, appelée également peinture optique ou chromo-luminarisme, et plus couramment pointillisme_.

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## Ressources

[Images de Georges Seurat](https://www.google.com/search?q=georges+seurat&sxsrf=ALeKk01tcr1TXhccDNMLBdkxao3X4gwG_A:1628437155302&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwi72biR4aHyAhUV14UKHX-OCYUQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=926)


Georges Seurat, peintre et dessinateur français, inventeur de la technique dite divisionniste, de division du ton, appelée également peinture optique ou chromo-luminarisme, et plus couramment pointillisme.

Georges Seurat


_Chaïm Soutine (en russe : Хаим Соломонович Сутин, Khaïm Solomonovitch Sutin&nbsp;; en yiddish : חײם סוטין, Ḥaïm Soutin) est un peintre juif russe émigré en France, né en 1893 ou 1894 dans le village de Smilovitchi, à cette époque dans l'Empire russe, et mort le 9 août 1943 à Paris._

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## Ressources

[images](https://www.google.com/search?q=soutine&sxsrf=AOaemvLeH--NXuSg8OLWp6lyVZnVFBedFA:1640639653944&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwil8Jv-8oT1AhX5gc4BHRbhBrMQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1589&bih=967&dpr=2)

[Présentation de l'exposition "Soutine / De Kooning, la peinture incarnée"](https://www.youtube.com/watch?v=aZPUA9gr7mo)

[L'Orangerie en mouvements : L'École de Paris](https://www.youtube.com/watch?v=A_K_ajwPn64)


Chaïm Soutine est un peintre juif russe émigré en France, né en 1893 ou 1894 dans le village de Smilovitchi, à cette époque dans l'Empire russe, et mort le 9 août 1943 à Paris

Chaïm Soutine

Portrait d'Albert Uriet à l'époque où il connut Paulhan


Albert Uriet, premier illustrateur du «&nbsp;Grand Meaulnes&nbsp;», naît le 7 janvier 1889 à Fontenay-sous-Bois (Val-de-Marne), de père menuisier et de mère couturière. Il se marie à Paris le 26 janvier 1922 avec Germaine Huet, dont il divorcera en novembre 1940. Germaine Huet était la cousine de Germaine Dauptain, seconde épouse de Jean Paulhan. Il décède le 25 mars 1954 à Saint Symphorien (Indre-et-Loire).

Albert Henri Uriet entre en apprentissage chez un marchand de vélos à Fontenay-aux-Roses, puis il fréquente l'Ecole des arts décoratifs de la rue d'Ulm, à Paris. Après une exposition à la Galerie André (rue des Saints-Pères), il entre chez Rvepp, un suisse allemand installé rue Bergère, à Paris, où il exerce l'activité de [&nbsp;?&nbsp;].

Pendant la guerre de 1914, Albert Uriet est mobilisé au fort de Saint-Denis puis à ceux de Vincennes et de Beauvais, où il fait la connaissance de Jean Paulhan. Une forte amitié les liera pendant des années.

En 1918, il fait quelques dessins pour un quotidien, puis pour le théâtre guignol. Ensuite, il entre à la fonderie Deberny-Peignot et se lie avec André Mouron (Cassandre).

En 1925, il loue un château à Saint-Vigord pour y tenir une pension de famille.
C'est là qu'il réalise l'illustration du Grand Meaulnes pour le compte de l'Association des médecins Bibliophiles.

La maison Mame et fils, à Tours l'engage alors comme illustrateur. Pendant l'occupation, le clergé de Bretagne avait mis Les Grandes heures de la Duchesse Anne de Nantes à l'abri à la cathédrale de Tours. La maison Mame, en accord avec l'archevêque, s'en inspire pour faire un missel qui sera illustré par Albert Uriet.

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## Ressources

[Images d'oeuvres d'Albert Uriet](https://www.google.com/search?q=albert+uriet&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878&sxsrf=ALeKk03mLxyTIcHjVZK7uHZbMBOmOQHJEA:1606057185116&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjBr4egtZbtAhUID2MBHa6QAbcQ_AUoAnoECAcQBA&biw=1404&bih=926)

[Traces du Grand Meaulnes dans Le pont traversé (1921) de Jean Paulhan](https://www.erudit.org/fr/revues/tce/2019-n120-tce05268/1069143ar/)  
<small>(La guerre et la rencontre de Paulhan avec Albert Uriet)</small>


Albert Uriet


_Robert Wogensky est un peintre et graveur (lithographe et aquafortiste) français né le 16 novembre 1919 à Paris et mort le 22 mars 2019 à La Cadière-d’Azur_.

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## Ressources

[Images de Wogensky](https://www.google.com/search?q=robert+wogensky&hl=fr&sxsrf=ALeKk011KFibC7SnGYWmL_t-sov9WMW6zw:1628426261001&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjLitHGuKHyAhUixIUKHcPdAeUQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=926)


Robert Wogensky est un peintre et graveur (lithographe et aquafortiste) français

Robert Wogensky


« _En regardant, il ne faut pas s’obstiner à ce que l’on pourrait faire de ce que l’on voit. Il faut voir ce qui est_.&nbsp;» (Wols)

Alfred Otto Wolfgang Schulze, plus connu à partir de 1937 sous son nom d’artiste WOLS (acronyme résultant de l’abréviation de son nom dans un télégramme), a quitté l’Allemagne en 1932 pour s’immerger à l’âge de 19 ans dans le bouillonnement artistique parisien. Au contact des grands artistes et poètes du Paris des années 1930, cet autodidacte a choisi la photographie comme média pour se lancer dans une carrière artistique. Sous l’influence du surréalisme, il a réalisé ses premiers dessins et aquarelles, qui contiennent en germes sa quête éperdue de nouveaux univers picturaux et processus créatifs. Au fil des années, le langage pictural de Wols est devenu toujours plus abstrait.

En 1946, il s’est tourné vers la peinture à l’huile sur les conseils du marchand d’art René Drouin, qui a présenté 40 de ses tableaux dans sa galerie, le révélant ainsi à un public relativement large. C’est dans les textures de surface modelées en relief que son langage pictural hors du commun est à son zénith. Ces œuvres doivent leur singularité à la superposition de couches de peintures et au grattage de la couche superficielle. Les tableaux de Wols préfigurent à certains égards l’art informel, notamment le Tachisme, qui a dominé la scène artistique européenne dans les années 1950 et au-delà.

Né en 1913 à Berlin, Wols est décédé en 1951 des suites d’une intoxication alimentaire. Il repose au cimetière du Père Lachaise. Dans le sillage de la participation de Wols à titre posthume aux trois premières documentas (1955, 1959 et 1964) et à la Biennale de Venise en 1958, ses œuvres ont fait l’objet de nombreuses expositions personnelles dans des institutions prestigieuse. À l’occasion de son 100e anniversaire, la [Menil Collection](/expositions/wols-menil-houston-2013) à Houston et la [Kunsthalle Bremen](/expositions/wols-kunsthalle-bremen-2013) ont rendu hommage à l’œuvre important de Wols en présentant une vaste rétrospective.

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## Ressources

[Images et portraits](https://www.google.com/search?q=wols&rlz=1C5CHFA_enFR878FR878&sxsrf=ALeKk03oWlQlJy5weg3wZ_89QvVs5EMM5g:1589661340906&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjNp6b8nbnpAhWyBGMBHRSAAhsQ_AUoAXoECCgQAw&biw=1051&bih=1017)

[Wols - L'expressionniste abstrait](https://www.youtube.com/watch?v=SbfPXISE21k)

[Wols - Artnet](http://www.artnet.fr/artistes/wols/)

["Le Voile de Véronique" (1946-47), de Wols - FranceCulture](https://www.franceculture.fr/emissions/les-regardeurs/le-voile-de-veronique-1946-47-de-wols)

[Wols - Centre Pompidou](https://www.centrepompidou.fr/cpv/resource/cbqLrd6/rbqakbM)

[Wols, Exposition Centre Pompidou - vidéo](https://www.youtube.com/watch?time_continue=12&v=iasrV1P3vfQ&feature=emb_logo)

[Wols, Histoires naturelles, Centre Pompidou - vidéo](https://www.youtube.com/watch?v=xKgE0qkKftg)

[Wols - Catalogue de l'exposition au Centre Pompidou](https://boutique.centrepompidou.fr/fr/monographie-et-mouvements-artistiques/wols-catalogue-de-lexposition/2084.html)


Wols


_Zao Wou-Ki (Zao, de son nom, Wou-Ki ou Wou-ki de son prénom&nbsp;; chinois simplifié : 赵无极&nbsp;; chinois traditionnel : 趙無極&nbsp;; pinyin : Zhào Wújí), né le 1er février 1920 à Pékin, et mort le 9 avril 2013 (à 93 ans) à Nyon, est un peintre et graveur chinois naturalisé français en 1964_.

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## Ressources

[Images de Zao Wou-Ki](https://www.google.com/search?q=zao+wou-ki&hl=fr&sxsrf=ALeKk034WfK7Q17cdCR2VM60v8aZriaw5g:1628370288916&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwjDvoiF6J_yAhVO6RoKHYUCAKgQ_AUoAXoECAEQAw&biw=1372&bih=983)

[Zao Wou-Ki - Rouge Très Très Fort](https://www.youtube.com/watch?v=DqjY2O9w44Y)

[Zao Wou-Ki - De la pensée au geste](https://www.youtube.com/watch?v=1AofGfeVKYQ)

[Zao Wou-Ki, l'espace est silence | Musée d'Art moderne de la Ville de Paris](https://www.youtube.com/watch?v=dIcQbp9zhCU)

[François Michaud, "Zao Wou-Ki", Musée d'art moderne de la Ville de Paris](https://www.youtube.com/watch?v=iSVtqlAfW1o)

["Henri Michaux et Zao Wou-Ki : dans l’empire des signes" | Film d'exposition](https://www.youtube.com/watch?v=tHtVec95Jv0)

[Zao Wou Ki peint dans son atelier parisien](https://www.youtube.com/watch?v=ca0j0YtWHkY)

[Zao Wou-Ki (1/5) : "Chaque couleur, chaque pinceau : il y a un effet dedans, il y a une nécessité, une explication"](https://www.franceculture.fr/peinture/zao-wou-ki)

[Zao Wou-Ki 2/5 : "La civilisation est une espèce de cristal, chacun ajoute une petite surface pour briller un peu plus"](https://www.franceculture.fr/peinture/zao-wou-ki-0)

[Zao Wou-Ki (3/5) : "J'essaye toujours de me promener dans mon propre tableau"](https://www.franceculture.fr/peinture/zao-wou-ki-1)

[Zao Wou-Ki (4/5) : "Quand je peins, je ne pense jamais à la nature"](https://www.franceculture.fr/peinture/zao-wou-ki-2)

[Zao Wou-Ki (5/5) : "Ma peinture, c'est un peu comme un journal pour moi"](https://www.franceculture.fr/peinture/zao-wou-ki-55)


Zao Wou-Ki, peintre et graveur chinois naturalisé français en 1964.

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